Votre recherche

Regroupant recherches et analyses, témoignages et récits personnels, ce livre rend compte de la discrimination vécue par les lesbiennes. Malgré que le Québec ait adopté une Charte des droits de la personne qui interdit toute discrimination basée sur l'orientation sexuelle, il faut reconnaître que l'adoption de ce principe d'équité n'a pas fait disparaître toute trace d'hétérosexisme dans la société. Les lesbiennes ne bénéficient pas encore d'une égalité juridique formelle, encore moins réelle.

During the 1930s and 1940s, women artists associated with the Surrealist movement produced a significant body of self-images that have no equivalent among the works of their male colleagues. While male artists exalted Woman's otherness in fetishized images, women artists explored their own subjective worlds. The self-images of Claude Cahun, Dorothea Tanning, Leonora Carrington, Frida Kahlo, Meret Oppenheim, Remedios Varo, Kay Sage and others both internalize and challenge conventions for representing femininity, the female body, and female subjectivity. Many of the representational strategies employed by these pioneers continue to resonate in the work of contemporary women artists. The words "Surrealist" and "surrealism" appear frequently in discussions of such contemporary artists as Louise Bourgeois, Ana Mendieta, Cindy Sherman, Francesca Woodman, Kiki Smith, Dorothy Cross, Michiko Kon and Paula Santigo. This book, which accompanies an exhibition organized by the MIT List Visual Art Center, explores specific aspects of the relationship between historic and contemporary work in the context of Surrealism. The contributors re-examine art historical assumptions about gender, identity, and integenerational legacies within modernist and postmodernist frameworks. Questions raised include: how did women in both groups draw from their experiences of gender and sexuality? What do contemporary artistic practices involving the use of body images owe to the earlier examples of both female and male Surrealists? What is the relationship between self-image and self-knowledge. (source: Nielsen Book Data)

Histoire bien documentée et inédite des communautés homosexuelles de Montréal. Longtemps victimes de brimades et de préjugés, les gais et lesbiennes sont finalement "sorti.e.s de l'ombre" et ont gagné de belles victoires durant les dernières décennies.

En situant les rapports de genre au cœur de leur élaboration conceptuelle et en inscrivant leur transformation comme un enjeu stratégique, les études féministes se sont progressivement imposées dans l'univers des sciences humaines comme une approche critique et comme une problématique du changement. Après une revue des trois grands courants de pensée qui se sont développés au sein et en marge du mouvement féministe au cours des dernières décennies, l'auteure se demande si la pensée féministe, ou plutôt les différents courants de la pensée féministe actuelle sont encore engagés dans ces mêmes fins. Sont-elles encore capables de contribuer au renouvellement des savoirs, de proposer un projet de société original, et d'imaginer les termes d'un nouveau contrat entre les genres ? Sont-elles capables de nourrir une lutte féministe unie, une politique de coalition ouverte à la diversité et à la différence, mais qui ne perd rien de sa cohésion et de sa force de ralliement ? Ces questions servent de pistes thématiques pour la discussion de l'auteur.

Dans le sillage de la 4e Conférence mondiale sur les femmes, cet ouvrage réunit des spécialistes de premier plan du genre et du développement qui interrogent les vingt dernières années de travaux dans ce domaine. Visions féministes du développement jette un nouvel éclairage sur des questions clés telles que : * le genre et l'environnement * l'éducation * la population * les droits reproductifs * l'industrialisation * la politique macroéconomique * la pauvreté. Inspiré par les travaux théoriques féministes récents, il réexamine les analyses structurelles antérieures et ouvre la voie à de nouvelles recherches dans ce domaine.

An examination of the social and cultural significance of body art by a major new voice. The past few years have seen an explosion of interest in body art, in which the artist's body is integral to the work of art. With the revoking of NEA funding for such artists as Karen Finley, Tim Miller, and others, public awareness and media coverage of body-oriented performances have increased. Yet the roots of body art extend to the 1960s and before. In this definitive book, Amelia Jones explores body art projects from the 1960s and 1970s and relates their impact to the work of body artists active today, providing a new conceptual framework for defining postmodernism in the visual arts. Jones begins with a discussion of the shifting intellectual terrain of the 1950s and 1960s, focusing on the work of Ana Mendieta. Moving to an examination of the reception of Jackson Pollock's "performative" acts of painting, she argues that Pollock is a pivotal figure between modernism and postmodernism. The book continues with explorations of Vito Acconci and Hannah Wilke, whose practices exemplify a new kind of performance that arose in the late 1960s, one that represents a dramatic shift in the conception of the artistic subject. Jones then surveys the work of a younger generation of artists -- including Laurie Anderson, Orlan, Maureen Connor, Lyle Ashton Harris, Laura Aguilar, and Bob Flanagan -- whose recent work integrates technology and issues of identity to continue to expand the critique begun in earlier body art projects. Embracing an exhilarating mix of methodologies and perspectives (including feminism, queer theory, philosophy, psychoanalysis, and literary theory), this rigorous and elegantexamination of body art provides rich historical insight and essential context that rethinks the parameters of postmodern culture.

Lors d'un colloque international sur les femmes et la création musicale organise par I'Unesco en mars 1996, Mme Zaimont et Mme Ostleitner des Etats-Unis et de I'Autriche, ont démontre dans leur conférence respective á quel point la vie musicale des pays qu'elles représente est encore puissamment dominée par les forces conservatrices et traditionnelles I'Autriche plie sous le poids d'un héritage musical ancestral alors que les Etats-Unis (et jusqu'a un certain point le Canada anglophone) vit actuellement au rythme des tendances politiques de droite. Plusieurs des acquis du mouvement féministe sont actuellement remis en question dans les milieux décisionnels et on ne peut que s'inquiéter de I' impact que pourraient avoir ces mouvements conservateurs sur la création musicale des femmes de ce pays. Mais dans ce même colloque, nous avons également pu entendre les propos de représentantes d'autres pays, je pense ici a la Corée au Japon, a la Bolivie, a I'Uruguay ou les femmes prennent une place de plus en plus importante dans le discours musical et dans la production artistique. De son cote, Le Québec, peut-être a cause de sa situation linguistique et culturelle minoritaire, a développe au cours de son histoire une vitalité artistique enviable et a été a I'avant-garde dans plusieurs domaines dont la création musicale. Le réseau de solidarité que les femmes ont bâti dans le milieu musical depuis quelques années et la place que les compositrices occupent aujourd'hui témoignent de cette vitalité.

La littérature sur les femmes — tant féministe qu’antiféministe — est une longue rumination quant à la nature et à la genèse de leur oppression et de leur subordination sociale. La question n’est pas sans importance, car les réponses qui lui sont données déterminent la manière dont nous envisageons l’avenir et si nous jugeons réaliste ou non d’espérer une société égalitaire entre les sexes. Plus important, l’analyse des causes de l’oppression des femmes fonde toute estimation de ce qu’il faudrait exactement changer pour réaliser une société sans hiérarchie de genre