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The aim of this dissertation is to produce a multimodal critical discourse analysis of Grimes' video We Appreciate Power. This will serve to explore issues of ideology, identity and multilingualism in both the music video and the YouTube polylogues generated in the same web page. In this work I suggest that Grimes adopts a poststructuralist view that inherits Haraway's cyborg concept (1991) in this piece of multimedia. I claim that Grimes wanted to show the conflictive moral boundaries that the idea of the cyborg and trans-humanism casts upon Western civilization, such as the loss of free will but also the transgression of problematic dichotomies. The fact that the comment section of the video is available to use might signal that Grimes wanted to raise awareness about trans-humanism. By doing virtual ethnography research, examples of discussion about the relationship between the video and the studied polylogues will be examined regarding the notions of the cyborg and multilingualism. Keywords: cyborg, multimodal critical discourse analysis, polylogue, virtual ethnography, YouTube.

This article investigates how naturalized models of hegemonic masculinity affect race and sexuality in the James Bond film series. Through close analysis of film dialogue and paralinguistic cues, the article examines how the sexualities of East Asian female and male characters are constructed as oversexed and undersexed, respectively. The analysis therefore affirms Connell's (1995) conception of white heterosexual masculinity as exemplary: East Asian characters are positioned not only as racial Others, but as bodies upon which Bond's heterosexual masculinity is reflected and affirmed as normative and, by extension, ideal. In this way, race is curiously invoked to ‘explain’ sexuality, and Bond's unmarked white masculinity becomes the normative referent for expressions of heterosexual desire. By showing how the sexuality of East Asian characters is typecast as non-normative, the article gestures toward the possibility of theorizing racialized performances of heterosexuality as queer.

L'année dernière, la Belkin Art Gallery a eu le plaisir d'acquérir The Time It Takes (2017), l'œuvre d'art pour adultes de Skeena Reece, pour notre collection permanente. À cette époque, Reece a déclaré qu'elle avait toujours voulu travailler avec le berceau pour créer une série de photographies qui documenteraient son emballage de personnes spécifiques dans le sac de mousse. Comme le décrit Reece, "Le sac est un endroit pour se reposer un instant, évoquant un sentiment de nostalgie, pas un sentiment de perte. Être enveloppé donne un sentiment d'apaisement qui suscite de l'espoir pour l'avenir et est un moyen de tenir les gens debout. L'œuvre a commencé comme une performance pour The Fraud That Goes Under the Name of Love, une exposition de groupe à la SFU Audain Gallery de Vancouver en 2016. Elle a ensuite été présentée au Musée d'art contemporain de Montréal pour l'exposition de groupe Piriti: Scène contemporaine autochtone en 2017. La pièce a évolué en une installation pour Oboro, Montréal (2017) et Plug In ICA, Winnipeg (2018) respectivement.

Dans la foulée du numéro précédent, qui portait sur les féminismes, ce dossier poursuit la réflexion sur la question des genres et des sexualités en s’attardant aux pratiques et aux théories qui cherchent à transcender la pensée binaire de la société patriarcale hétéronormative et cisnormative. On y explore notamment les stratégies déployées par les artistes afin de rendre visible les communautés LGBT+ et de faire entendre la multiplicité des voix en marge du régime patriarcal de production des savoirs.

Ce numéro s’intéresse aux rapports singuliers entre l’art et les féminismes. En tenant compte de la multiplicité des subjectivités et de l’hétérogénéité des femmes, il s’agit de faire connaitre comment les multiples pratiques et les théories sur l’art participent à déconstruire les oppressions et les limites liées au genre. On présente une sélection de pratiques féminines et féministes, militantes ou non, issues d’approches et de communautés diverses. Les différentes revendications, prises de position et affirmations témoignent de la diversité des artistes : subversion, soulèvement protestataire, remise en question des archétypes de genre et d’hétéronormativité, approche féministe postcoloniale, résurgence des pratiques ancestrales, représentation de soi, utilisation consciente et assumée de la séduction sont autant de manières de dire, encore, la nécessité des féminismes.

"From Surrealist selfies to feminist self-portraiture, the ISelf Collection explores identity and the human condition through the central themes of birth, death, sexuality, love, pain and joy. Taking the display of the collection at Whitechapel Gallery as its springboard, this book looks generally at the question of the self in modern and contemporary art, and the ways in which artists are thinking about being and identity as an individual, in relation to others, to society and the wider world. Featuring works by a world-class roster of artists including Francis Alys, Fiona Banner, Lynda Benglis, Louise Bourgeois, Tracey Emin, Alex Katz, Sarah Lucas, Mike Nelson, Cindy Sherman, John Stezaker and Wolfgang Tillmans, this fully illustrated catalogue also includes essays by Glenn Adamson, Frances Borzello, Nicholas Cullinan and Amelia Jones, as well as a selection of quotes by influential writers and theorists as chosen by some of the artists included."

« À quel âge ai-je commencé à me sentir flouée d’être une fille? » C’est autour de cette interrogation initiale que s’articule Moi aussi je voulais l’emporter, réflexion personnelle sur le genre qui devient au fil des pages un véritable récit d’apprentissage féministe. Inspirée par la figure de Tove Jansson, créatrice des Moomins à laquelle devait d’abord être consacré l’ouvrage, Julie Delporte se remet ici en question en tant que femme, tout en s’interrogeant sur la place qu’occupent celles-ci dans le monde. Avec une sincérité désarmante, elle expose ses doutes et ses craintes et tente de leur donner un sens. Moi aussi je voulais l’emporter est un essai autobiographique où l’intime entre en résonance avec le social. Porté par le dessin lumineux de Delporte, le livre trouve son équilibre quelque part entre la douceur et la douleur.--[Pow Pow].

À partir de son expérience personnelle comme commissaire d’exposition, de constats effectués au cours de l’été 2008 en Suède et des travaux de différents chercheurs, l’historien d’art Patrik Steorn formule une critique queer du musée permettant non seulement de considérer une plus grande multitude de sexualités et de genres (homo-, bi-, trans-), mais aussi de dénoncer l’hétéronormativité des regards, des discours et des pratiques en place ; le queer relevant autant de l’identité que d’un outil analytique critique de cette même identité. Il part d’un constat assez simple : celui de la non-prise en compte des critères relatifs aux sexualités (hétéro-, homo-, bi-, trans-) dans les bases de données des collections muséales qu’il étudie et explique alors comment ces critères de recherche reconduisent les catégories établies et produisent du sens quant à la manière (partielle et partiale) de voir et de vouloir montrer du musée.

Based on the true stories of Indigenous women throughout the world, Deer Woman: An Anthology is an extension of the Deer Woman: A Vignette, comic book that itself is a powerful expression and weaves the stories of Deer Woman into a modern narrative of the struggles of Indigenous women in North America. This anthology features the work of more than a dozen Native women sharing stories of survival, empowerment, and healing. Edited by Elizabeth LaPensée and Weshoyot Alvitre and featuring the work of: Patty Stonefish, Allie Vasquez, Mia Casesa, Darcie Little Badger, Tara Ogaick, Kimberly Robertson, Barbara Kenmille, Maria Wolf Lopez, Tatum Bowie, Jackie Fawn, Rebecca Roanhorse, Carolyn Dunn, Nashoba Dunn-Anderson, and more, this anthology is an important addition to the current conversation about violence against women, especially Native women.-from publisher's website.

La présente étude doctorale vise l'étude des possibilités et contraintes pour des interprètes professionnel.le.s en danse contemporaine, de se construire comme sujet de leur danse et de leur vie. Elle met en dialogue la notion de « projet de soi » (Giddens, 1991), un processus réflexif, autoréférentiel et autonome de réalisation de soi, avec les parcours de 16 interprètes, 10 femmes et six hommes et avec les discours à l'œuvre en danse. Un ancrage théorique poststructuraliste et féministe a permis de centrer l'analyse sur les liens entre subjectivité, discours, genre et pouvoir. Quatre dimensions ont été identifiées comme lieux de possibilités et contraintes des projets de soi en danse. Une première concerne les étapes charnières des parcours professionnels (choix de la danse, entrée et maintien dans la profession, reconversion), l'analyse ayant révélé des possibilités d'agentivité dissemblables pour les danseurs et danseuses en raison d'un processus rapide de masculinisation de la profession. Une seconde a à voir avec le rapport entre interprétation et création, fondateur de l'organisation du travail de la danse. Y est discuté le discours sur l'« interprète-créateur », séduisant par les valeurs d'autonomie et d'engagement subjectif qui s'en dégagent, mais dissimulant des enjeux de pouvoir pouvant contraindre autonomisation et reconnaissance des danseur.se.s. Une troisième est relative à l'interface vie personnelle et vie professionnelle. Une attention a été portée à la conciliation travail-vie familiale, laquelle repose davantage sur la créativité et la volonté individuelle que sur des solutions collectives, qui restent à envisager. Finalement, une quatrième porte sur la diversité des rapports s'établissant au sein de la collectivité, les acteur.trice.s se trouvant par moments divisé.e.s par des intérêts concurrents, voire divergents (lors de la négociation des conditions de travail et salariales), mais à d'autres réuni.e.s en fonction d'intérêts communs (lors de la vie associative), ce qui rend difficile, pour les interprètes, la prise en compte de leurs intérêts spécifiques, tout en limitant leur prise de parole en ce sens. L'étude a aussi éclairé plusieurs voies de résistance et de changement affirmant la présence d'agentivité collective et individuelle. Ce sont la recherche académique, la syndicalisation, les blagues sur la danse et la vie associative, lesquelles représentent des espaces de résistance créés par et pour les danseur.se.s et soutenant leur prise de parole. Ces quatre voies donnent lieu à de nouvelles manières de penser la danse, en plus de susciter autonomisation et reconnaissance du travail des interprètes qui, alors, peuvent devenir sujets de leur danse et de leur vie.

This article explores the complex relationship between processes of making, memory, healing, and social activism activated by Walking With Our Sisters, a large-scale commemorative installation intended to foster awareness for missing and murdered Indigenous women in Canada.

"Arts visuel" est l'un des soixante-six textes thématiques de cette encyclopédie explorent les reconfigurations en cours des études de genre. Trois axes transversaux organisent cette enquête collective: le corps, la sexualité, les rapports sociaux. Les inégalités liées au genre sont de plus en plus envisagées en relation avec celles liées à la classe sociale, la couleur de peau, l'apparence physique, la santé ou encore l'âge. Cette approche multidimensionnelle des rapports sociaux a transformé radicalement les manières de penser la domination au sein des recherches sur le genre. En analysant les concepts, les enquêtes empiriques et les débats caractéristiques de ces transformations saillantes, les contributrices et contributeurs de cet ouvrage dessinent une cartographie critique des études de genre en ce début de XXIe siècle.

"Rather than a book of queer theory for artists, this is a book of artists' queer tactics and infectious concepts. In the first such anthology to be centred on artists' writings, numerous conversations about queer practice are brought together from diverse individual, social and cultural contexts. Together these texts describe and examine the ways in which artists have used the concept of queer as a site of political and institutional critique, as a framework to develop new families and histories, as a spur to action, and as a basis from which to declare inassimilable difference"--Back cover.

Otherwise: Imagining queer feminist art histories" is the first publication to address queer feminist politics, methods and theories in relation to the visual arts, including new media, installation and performance art. Despite the crucial contribution of considerations of 'queer' to feminism in other disciplines of the humanities, and the strong impact of feminist art history on queer visual theory, a visible and influential queer feminist art history has remained elusive. This book fills the gap by offering a range of essays by key North American and European scholars, both emerging and renowned, who address the historiographic and political questions arising from the relationship between art history and queer theory in order to help map exclusions and to offer models of a new queer feminist art historical or curatorial approach.

a 4e de couverture indique : [L'auteure] est aujourd'hui l'une des plus importantes théoriciennes de la photographie. Historienne de l'art, critique et professeur émérite à l'université de Californie à Santa Barbara, ses travaux portent principalement sur la théorie du genre, les études féministes, la culture visuelle en France au XIXe siècle, l'histoire de la photographie et l'art contemporain. ... le présent recueil réunit pour la première fois en langue française un ensemble d'essais parmi les plus significatifs de cette auteure majeure. ... l'ouvrage propose une première partie sur les discours de l'histoire de la photographie, une deuxième sur les pratiques documentaires et une troisième sur la représentation du féminin.

"Publication, célébrant les 40 ans d'engagement de la Centrale qui se voue au développement de l'histoire des pratiques artistiques féministes et soutient la visibilité d'artistes et d'initiatives moins ou peu représenté-es auprès des institutions culturelles établies"--Page 40.

L’ouvrage, publié conjointement par le Musée des beaux-arts de Montréal (MBAM) et Black Dog Publishing en éditions française et anglaise, a été réalisé sous la direction de Jacques Des Rochers, conservateur de l’art québécois et canadien (jusqu’à 1945) au MBAM, et Brian Foss, directeur de la School for Studies in Art and Culture de la Carleton University, à Ottawa, à l’occasion de l’exposition La Couleur du jazz : Le Groupe de Beaver Hall dont les deux spécialistes ont été commissaires. Kristina Huneault de l’Université Concordia, Hélène Sicotte et Esther Trépanier de l’Université du Québec à Montréal (UQAM) figurent notamment parmi les collaborateurs. La publication de 352 pages présente l’étude la plus exhaustive jamais effectuée sur ce groupe. Une série de six essais expose ainsi le contexte social et artistique dans lequel le regroupement s’est formé et situe les œuvres dans la perspective des beaux-arts au début du XXe siècle, de l’ascension de la métropole, de l’interaction entre progrès économique et développement culturel et des démarches propres aux hommes et aux femmes artistes peintres à l’époque.

La version française que nous republions ici est un facsimile de l’édition originale anglaise parue en 1972. La traduction est une reprise de la version établie par Monique Triomphe pour les éditions Alain Moreau en 1976. En 1971, John Berger imagine avec le producteur Michael Dibb la série Ways of seeing pour la chaîne de télévision de la BBC. Cette série rencontre à l’époque un grand succès. L’année suivante un livre du même nom, fruit d’une collaboration entre Berger, Dibb, Chris Fox, l’artiste Sven Blomberg et le graphiste Richard Hollis est publié. C’est bien la vision typographique d’une justesse irréfutable créée par ce dernier qui fera rentrer l’ouvrage dans la bibliothèque des designers. En sept essais, Berger rappelle les modalités de commande des peintures de la renaissance et démontre ainsi le pouvoir de la classe dominante. Il analyse la filiation entre ces modalités et le développement et l’omniprésence des codes de la publicité dans notre société capitaliste contemporaine. Il encourage ainsi le spectateurice-lecteurice à questionner les images qui l’entourent au quotidien. Il s’appuie sur près de 160 reproductions de tableaux et d’images publicitaires, et analyse le traitement du corps féminin dans l’histoire de l’art parallèlement à nos relations aux objets, au pouvoir et à la propriété.

Sakahàn, qui veut dire « allumer [un feu] » en algonquin, réunit plus de 150 œuvres récentes créées par 80 artistes provenant de 16 pays, y compris des installations conçues spécialement pour ce projet. Poétiques, surprenantes et audacieuses, ces œuvres proposeront une relecture des enjeux culturels et sociaux auxquels font face les peuples autochtones. Des sites partenaires dans la région d’Ottawa et à l’étranger participeront à cet événement culturel sans précédent.

''This book brings together writings by feminists in the adult industry and research by feminist porn scholars. It investigates not only how feminists understand pornography, but also how feminists do porn - that is, direct, act in, produce, and consume this kind of 'industry'. With contributions by Susie Bright, Candida Royalle, Betty Dodson, Nina Hartley, Buck Angel, Lynn Comella, Jane Ward, Ariane Cruz, Kevin Heffernan, and more.''-- Fourni par l'éditeur.