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Un ouvrage fascinant, aux images voluptueuses, sur les étranges canons de la beauté féminine à travers les âges. Ainsi, on apprend que l'engouement pour le teint pâle a contraint les femmes à fuir le soleil et à appliquer sur leur visage des plâtres toxiques. De même, en épluchant les recettes de beauté du 15e et 17e siècles, l'auteure égrène l'extraordinaire variété des ingrédients pour les soins du visage : poudre de perles de corail, lard finement râpé, fiente de chat, poudre de cloportes, foie de thon pourri, oeufs de fourmi, etc. Les exemples cités peuvent susciter un certain dégoût, mais l'auteure rappelle que nos pratiques modernes ne sont pas sans contradictions : chirurgie esthétique (visages tirés, lèvres boursouflées, paupières allégées) sans oublier les coûts astronomiques des crèmes de beauté - que sait-on sur la fabrication de ces produits? [SDM].

Premier roman de Karoline Georges et premier roman de la génération techno paru en 2001, La Mue de l’hermaphrodite porte un regard dérangeant sur le début du XXIe siècle et étonne par son actualité vingt ans plus tard. À travers le genre de la science-fiction, l’autrice explore avec acuité les enjeux éthiques liés aux identités de genre, au contrôle technocratique par la surveillance à outrance, à la consommation de drogues et au désir perpétuel de l’humain de fuir le réel. Emprisonné dans une cellule expérimentale sous l’oeil avide du cyberréseau, un être né hermaphrodite doit se confesser d’un crime. Face à ses détracteurs invisibles, l’hermaphrodite s’ausculte et se raconte tout en condamnant l’État qui l’a créé. Le roman suit cet être jusqu’au bout de sa marginalisation : de son enfance hypermédiatisée, à la déchéance de son corps, en passant par sa conquête d’un empire de psychotropes jusqu’à la mue terminale d’Hermany Mésange.

À l'appui de nombreuses illustrations et textes informatifs, ce livre se veut une introduction à la vie et à l'oeuvre de 46 femmes artistes contemporaines, qui ont marqué l'art du 20e siècle d'une empreinte durable, et qui influenceront encore l'art du 21e siècle. Tous les courants et tendances sont présentés : peinture, dessin, sculpture, photographie, cinéma, vidéo et Internet, installations, travail sur la nature ou le corps.

Pendant des millénaires, tout paraissait simple : aux hommes la création, aux femmes la procréation ; aux hommes l'esprit et aux femmes le corps. L'émancipation féminine a bousculé cette distribution des rôles et mis à mal des métaphores séculaires : la muse féminine, l'œuvre d'art comme amante ou comme " enfant " de l'artiste. Mais trouver un nouveau modus vivendi n'est pas facile pour autant. Mettant à profit une certaine et curieuse forme de clairvoyance liée, dans son esprit, aux métamorphoses de son corps de femme enceinte, Nancy Huston s'est penchée sur les histoires souvent douloureuses de Sand et Musset, Virginia et Leonard Woolf, Scott et Zelda Fitzgerald, Sartre et Beauvoir. Le récit de ses recherches sur les couples d'écrivains et le journal de sa propre grossesse se croisent, se répondent et se complètent pour évoquer les mystères de l'amour, de l'inspiration, du couple et de la création.

L’étude présente d’abord le contexte dans lequel fut créé la Semaine de musique annuelle (1923–1937) à Montréal et propose une analyse du mode de fonctionnement, inspiré du modèle américain créé par Charles Milton Tremaine en 1920. L’auteure commente les données sur les collaborateurs, les commanditaires, les bourses, les lieux de concerts, les interprètes, le répertoire et les conférenciers, et fait ressortir les principaux éléments de la critique de ces événements. La conclusion met en évidence la dualité culturelle anglophone-francophone dans la conception de la musique et son rôle dans l’éducation, et souligne l’action des femmes dans la gestion d’organismes de diffusion de la musique au Québec.

Les années 60 marquent le début d'un art éphémère dans lequel l'objet d'art disparaît au profit d'une mise en scène du corps. Les Actionnistes viennois mêlent des corps féminins ou masculins dans la boue, du sang et des organes animaux etc. Comment ce qui peut paraître aberration ou perturbation de la personnalité est souvent une mise en scène microcosmique des idéologies ou des réalités politiques d'une époque : images d'une coupure Est/Ouest, de frontières infranchissables à l'époque de la guerre froide ou, au contraire, effacement des frontières au temps de la mondialisation avec des artistes de la Scène internationales

Le féminisme a eu un impact crucial sur l'art de la fin du XXe siècle, inspirant certains des développements les plus pionniers de la sculpture, de la peinture, de la performance, de la photographie, du cinéma et de l'installation. Le monde de l'art a été transformé par les féministes qui en même temps ont été parmi ses principaux critiques. Le féminisme a redéfini les termes mêmes de l'art de la fin du XXe siècle : il a exposé des hypothèses sur le genre ; il a politisé le lien entre privé et public ; il a souligné la spécificité de l'art marqué par le sexe, la race, l'âge et la classe. Sélectionnée par l'éditrice et chercheuse Helena Reckitt, cette collection présente la riche diversité de l'art influencé par le féminisme des années 1960 au début du XXIe siècle. Pas seulement une histoire complète, le livre juxtapose des œuvres de nombreuses artistes qui ne sont généralement pas montrées ou discutées ensemble, ouvrant de nouvelles connexions entre les personnalités clés. Peggy Phelan, parmi les théoriciennes féministes contemporaines les plus connues, parcourt l'histoire de l'art féministe, ouvrant de nouvelles perspectives sur le travail d'artistes allant de Georgia O'Keeffe et Louise Bourgeois à Cindy Sherman et Pipilotti Rist. Les documents comprennent les principaux textes critiques de chaque période, allant des écrits de Simone de Beauvoir à la critique d'art pionnière de Lucy R Lippard, en passant par les contributions féministes de Craig Owens à la critique postmoderne, ainsi que de nombreuses artistes importantes.

Finally, a look at the role of women in the shaping of the high-spirited—but hardly feminist—Dada monement. For all of its iconoclasm, the Dada spirit was not without repression, and the Dada movement was not without misogynist tendencies. Indeed, the word Dada evokes the idea of the male—both as father and as domineering authority. Thus female colleagues were to be seen not heard, nurturers not usurpers, pleasant not disruptive.This book is the first to make the case that women's changing role in European and American society was critical to Dada. Debates about birth control and suffrage, a declining male population and expanding female workforce, the emergence of the New Woman, and Freudianism were among the forces that contributed to the Dadaist enterprise. Among the female dadaists discussed are the German émigré Baroness Elsa von Freytag-Loringhoven; Berlin dadaist Hannah Höch; French dadaists Juliette Roche and Suzanne Duchamp; Zurich dadaists Sophie Taeuber and Emmy Hennings; expatriate poet and artist Mina Loy; the "Queen of Greenwich Village," Clara Tice; Margaret Anderson and Jane Heap, the lesbian couple who ran The Little Review; and Beatrice Wood, who died in 1998 at the age of 105. The book also addresses issues of colonialist racism, cross-dressing and dandyism, and the gendering of the machine. The bibliography was compiled by the International Dada Archive (Timothy Shipe and Rudolf E. Kuenzli). Contributors Eleanor S. Apter, Barbara J. Bloemink, Willard Bohn, Carolyn Burke, William A. Camfield, Whitney Chadwick, Dorothea Dietrich, Susan Fillin-Yeh, Paul B. Franklin, Renée Riese Hubert, Marisa Januzzi, Amelia Jones, Marie T. Keller, Rudolf E. Kuenzli, Maud Lavin, Margaret A. Morgan, Dickran Tashjian, Elizabeth Hutton Turner, Barbara Zabel

Dans Promenades dans Londres Flora Tristan se livre à une magistrale enquête d'ethnographie sociale et politique de l'Angleterre de 1840. Le monde ouvrier, la condition féminine, l'éducation, la délinquance, la prostitution s'y trouvent abordés avec le regard aigu

Gay Wachman provides a critical new reading of sexually radical fiction by British women in the years during and after the First World War. She contrasts works by Sylvia Townsend Warner, Virginia Woolf, Rose Allatini, and Evadne Price with more politically and narratively conservative novels by Radclyffe Hall and Clemence Dane. These writers, she states, formed part of an alternative modernist tradition that functioned both within and against the repressive ideology of the British Empire, using fantasy as a means of reshaping and critiquing a world fragmented by war. Wachman places at the center of this tradition Sylvia Townsend Warner's achievement in undermining the inhibitions that faced women writing about forbidden love. She discusses Warner's use of crosswriting to transpose the otherwise unrepresentable lives of invisible lesbians into narratives about gay men, destabilizing the borders of race, class, and gender and challenging the codes of expression on which imperialist patriarchy and capitalism depended.

Looks can be deceiving, and in a society where one's status and access to opportunity are largely attendant on physical appearance, the issue of how difference is constructed and interpreted, embraced or effaced, is of tremendous import. Lisa Walker examines this issue with a focus on the questions of what it means to look like a lesbian, and what it means to be a lesbian but not to look like one. She analyzes the historical production of the lesbian body as marked, and studies how lesbians have used the frequent analogy between racial difference and sexual orientation to craft, emphasize, or deny physical difference. In particular, she explores the implications of a predominantly visible model of sexual identity for the feminine lesbian, who is both marked and unmarked, desired and disavowed. Walker's textual analysis cuts across a variety of genres, including modernist fiction such as The Well of Loneliness and Wide Sargasso Sea, pulp fiction of the Harlem Renaissance, the 1950s and the 1960s, post-modern literature as Michelle Cliff's Abeng, and queer theory.