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Dans ce projet, j’ai visé à (1) recenser les stratégies visuelles employées dans les campagnes de sensibilisation à la violence conjugale produites au Québec et à (2) établir les liens que ces stratégies entretiennent avec l'engagement féministe pris par le Gouvernement dans son Plan d'action gouvernemental en matière de violence conjugale de 1995. Dans un premier temps, à travers une étude visuelle multidisciplinaire, ancrée entre autres dans la rhétorique de l’image de Barthes (1964), mais aussi dans les théories du langage cinématographique (Edgar-Hunt, Rawle et Marland, 2011) et de l’art hypermédiatique (Lalonde, 2012), j’ai été amenée à constater la récurrence de stratégies visuelles visant à susciter des émotions fortes, comme la surprise, le choc, la colère ou la peur. Dans un deuxième temps, tout comme plusieurs auteur.trices de ma revue de littérature (West, 2013, Neal, 2015, Gabler, 2016, Goehring et al., 2017, Magaraggia et Cherubini, 2017, Wolf, 2018), j’ai remis en question la pertinence de ces stratégies dans le cadre d’une approche féministe de la violence conjugale. Pour ce faire, je me suis appuyée sur mon cadre théorique : les principes d’intervention féministes en violence conjugale. Il s’est dès lors avéré que beaucoup des images recensées contredisaient ces principes. Elles tendaient à retirer de l’agentivité aux victimes, à les revictimiser ou même à les culpabiliser. Je postule que cet état des lieux peut s’expliquer par le contexte sociopolitique et économique québécois des trente dernières années, contexte où les perspectives féministes n’ont jamais cessé d’être remises en question (Dupuis-Déri et Blais, 2015, Dupuis-Déri et Lamoureux, 2015) et où le néolibéralisme a mené à l’individualisation des problématiques sociales – entre autres (Flynn et al., 2018). Bien que ma recherche comporte ses limites, notamment car mon corpus exclut les nombreuses initiatives locales qui ont été créées, elle offre les bases d’un questionnement pertinent sur l’éthique de la fabrique des images de sensibilisation à la violence conjugale. Dans un travail ultérieur, la recherche pourrait comparer les initiatives gouvernementales aux initiatives locales, ou les initiatives du Gouvernement québécois aux initiatives d’autres gouvernements, comme celui d’Australie (campagne Respect). Il serait aussi pertinent de se questionner sur la place de ces images de sensibilisation dans un paysage médiatique et visuel où le sexisme ordinaire et les propos réactionnaires pullulent encore, malgré les avancées des dernières décennies (Cordelier et al., 2015, Lacasse et Charron, 2017). _____________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : image publicitaire; campagnes de sensibilisation; violence conjugale; images de la violence conjugale; lecture féministe de la violence conjugale; critique féministe de l’image; féminismes au Québec; antiféminismes au Québec.

Ce numéro s’intéresse aux rapports singuliers entre l’art et les féminismes. En tenant compte de la multiplicité des subjectivités et de l’hétérogénéité des femmes, il s’agit de faire connaitre comment les multiples pratiques et les théories sur l’art participent à déconstruire les oppressions et les limites liées au genre. On présente une sélection de pratiques féminines et féministes, militantes ou non, issues d’approches et de communautés diverses. Les différentes revendications, prises de position et affirmations témoignent de la diversité des artistes : subversion, soulèvement protestataire, remise en question des archétypes de genre et d’hétéronormativité, approche féministe postcoloniale, résurgence des pratiques ancestrales, représentation de soi, utilisation consciente et assumée de la séduction sont autant de manières de dire, encore, la nécessité des féminismes.

"In the resistance to the violence of gender-based oppression, vibrant - but often ignored - worlds have emerged, full of nuance, humour, and beauty. Correcting a glaring omission of writing about contemporary feminist work by Canadian artists, Desire Change considers the resurgence of feminist art, thought, and practice in the past decade by examining artworks that respond to themes of diversity and desire. Essays by historians, artists, and curators present an overview of a range of artistic practices including performance, installation, video, textiles, and photography. Contributors address the desire for change through three central frames: how feminist art has significantly contributed to the complex understanding of gender as it intersects with sexuality and race; the necessary critique of patriarchy and institutions as they relate to colonization within the Canadian national-state; and the ways in which contemporary critiques are formed and expressed. The resulting collection addresses art through an activist lens to examine intersectional feminism, decolonization, and feminist institution building in a Canadian context. Heavily illustrated with representative works, Desire Change raises both the stakes and the concerns of contemporary feminist art, with an understanding that feminism is always and necessarily plural."-- Provided by publisher.

Des corps féminins en rangées, qui se meuvent en synchronie. Ils ne se distinguent que par le détail d’un vêtement, d’une courbe, d’une teinte de cheveux. Les filles en série créent l’illusion de la perfection. Ce sont des filles-machines, filles-marchandises, filles-ornements. Toutes reproduites mécaniquement par l’usine ordinaire de la misogynie. Les filles sont des filles parce qu’elles sont en série. Mais la figure des filles en série est double: à la fois serial girls et serial killers de l’identité qu’on cherche à leur imposer. Entre aliénation et contestation, les filles en série résistent à leur chosification, cassent le party, libèrent la poupée et se mettent à courir. Cet essai percutant, paru pour la première fois en 2013, se déploie comme une chaîne qui se fait et se défait, depuis les Cariatides jusqu’aux Pussy Riot. Dans cette édition revue et augmentée, Martine Delvaux s’attaque à la blancheur des filles en série et analyse de nouvelles formes de résistance investies par les ballerines, les survivantes d’agressions et Beyoncé.

Au cours des 10 dernières années, de nombreux évènements en arts visuels se sont penchés sur la question du féminisme, malgré l'annonce de la mort de ce courant politique par plusieurs discours populaires. Effectivement, l'avènement, à la fin de la décennie 1980, des champs d'études queer et postcoloniales reconceptualise et complexifie le sujet du féminisme, la femme. Les fondements de l'identité femme, la fixité de cette catégorie, se voient maintenant interroger. De ce fait, les prémisses misent de l'avant par les féministes des années 1970, moment fort du mouvement de libération des femmes, reçoivent un lot important de critique. Dans un tel contexte, nous souhaitons questionner l'art féministe actuel et comment il se manifeste. Plus spécifiquement, nous voulons analyser de quelle façon il diffère des pratiques féministes inaugurés dans la décennie 1970. C'est sur cette problématique que s'attarde ce mémoire prenant pour corpus d'études les expositions présentées, de 1973 à 1978 et de 2007 à 2010, au centre d'artistes féministes montréalais La Centrale Galerie Powerhouse. Ce lieu de diffusion, fondé par des femmes désirant avoir un endroit pour exposer leur art à un moment où elles étaient exclues des institutions, est un témoin privilégié des relations qu'entretiennent le discours artistique et les théories féministes. La Centrale Powerhouse a d'ailleurs modifié son mandat en 2008 dans le but de demeurer pertinent face aux changements ayant lieu au sein du courant féministe. À travers notre étude comparative de la programmation du centre d'artistes, nous voulons démontrer des démarches politisées, enrichies par de nouvelles préoccupations queer et postcoloniales, demeurent possible ainsi qu'une lecture féministe des œuvres. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Art féministe, art contemporain, La Centrale Galerie Powerhouse

Résumé Cet article analyse les usages de savoir-faire genrés dans la création contemporaine autochtone canadienne. Ils sont considérés dans leur caractère doublement situé, culturel et sexué. Comment analyser les usages des savoir-faire dits « féminins » (couture, broderie) dans les œuvres de plasticiennes contemporaines ? La réflexion s’appuie sur l’étude des trajectoires biographiques et des œuvres de trois artistes canadiennes autochtones. Une double stigmatisation de ces artistes, marquée de stéréotypes ethniques et genrés, est repérée dans les conditions d’exposition de leurs œuvres en tant qu’autochtones (musées d’ethnologie) et en tant que femmes (musées locaux, statut non professionnel des créatrices). Leurs démarches pourront être qualifiées de postcoloniales, interrogeant les frontières normatives entre arts « majeurs » et arts « mineurs », ainsi que la place des arts « premiers » et des femmes créatrices dans l’histoire de l’art

Depuis la fin des années 1960, le mouvement féministe a été à l'origine d'innovations, à la fois théoriques et pratiques, qui figurent parmi les plus intéressantes de l'art contemporain. Par ailleurs, certains succès politiques du mouvement féministe ont été obtenus grâce aux artistes, qui ont proposé de nouvelles manières d'envisager les domaines privé et public, l'objet de l'art et son sujet. En soulignant la différence des sexes, le courant féministe a aussi attiré l'attention sur le rôle de l'âge, de la classe sociale, de la race et de la sexualité dans la création artistique et dans sa réception. À la fois critiques et actrices du monde de l'art, les artistes féministes ont donné un nouvel élan à l'art considéré comme démarche à la fois politique et esthétique. Cet ouvrage, conçu par Helena Reckitt, présente les expériences, les idées et les démarches actuelles d'artistes majeures, et met en évidence le lien existant entre les différentes générations d'artistes. L'essai de Peggy Phelan, théoricienne de l'art et de la performance, jette un regard original sur les interprétations classiques de l'art des femmes et propose de nouvelles clés pour comprendre les rapports mouvants entre idées et idéaux du féminisme et pratiques artistiques.

Nelson analyzes not only how, where, why and by whom black female subjects have been represented in Western art, but also what the social and cultural impacts of the colonial legacy of racialized Western representation have been. She poses questions about the concepts of production, the consequences of comsumption and more

Catalogue for the exhibition Global Feminisms, that took place at the Brooklyn Museum in 2007. The first international exhibition exclusively dedicated to feminist art from 1990 to the present. The show consists of work by approximately eighty women artists from around the world and includes work in all media—painting, sculpture, photography, film, video, installation, and performance. Its goal is not only to showcase a large sampling of contemporary feminist art from a global perspective but also to move beyond the specifically Western brand of feminism that has been perceived as the dominant voice of feminist and artistic practice since the early 1970s.This exhibition is arranged thematically and features the work of important emerging and mid-career artists.

Siopis has always engaged in a critical and controversial way with the concepts of ‘race’ and ‘ethnicity’ in South Africa. For politically sensitive artists whose work has involved confronting the injustices of apartheid, the current post-apartheid situation has forced a reassessment of their practice and the terms on which they might engage with the fundamental changes which are now affecting all of South African society. Where mythologies of race and ethnicity have been strategically foregrounded in the art of any engaged artist, to the exclusion of many other concerns, the demise of apartheid offers the possibility of exploring other dimensions of lived experience in South Africa. For feminists, this is potentially a very positive moment when questions of gender – so long subordinated to the structural issue of ‘race’ under apartheid – can now be explored. Penny Siopis’ work has long been concerned with the lived and historical relations between black and white women in South Africa. The discussion focuses on the ambivalent and dependent relationships formed between white middle-class women and black domestic labour during apartheid. Siopis’ work engages with how the appropriation of black women's time, lives, labour and bodies has shaped her ‘own’ history.

In Generations and Geographies, the challenge of contemporary feminist theory encounters the provocation of the visual arts made by women in the twentieth century. The major issue is difference: sexual, cultural and social. Generations points to the singularity of each artist's creative negotiation of time and historical and political circumstance; Geographies calls attention to the significance of place, location and cultural diversity, connecting issues of sexuality to those of nationality, imperialism, migration, diaspora and genocide.Generations and Geographies is framed by theoretical debates in cultural analysis by Griselda Pollock, Mieke Bal, Elisabeth Bronfen and Irit Rogoff, and two historical analyses of representations of the female nude by Rosemary Betterton and Nanette Salomon. Essays on international contemporary art discuss artistic practice by women working in both western and non-western contexts, focusing on themes of the mother, the body, the land and history/memory. The artists discussed include the French performance artist Orlan, the Cuban American artist Ana Mendieta and Jenny Saville from Britain, the Chilean artist Cecilia Vicuna, Shimada Yoshiko from Japan, the Korean artist Re-Hyun Park and the Korean/Canadian artist Jin-me Yoon, Bracha Lichtenberg Ettinger from Israel and the American artist Cindy Sherman. British/Zanzibari artist Lubaina Himid provides specially commissioned artists' pages on the theme of history, location and displacement.

Published on the occasion of a major exhibition opening at the Institute of Contemporary Art in Boston, Inside the Visible presents a gendered reading of more than thirty women artists of vastly different background and experience. The work of important yet previously "invisible" figures is highlighted alongside the work of established artists to create a retheorized interpretation of the art of this century. Structured in terms of recurrent cycles over time, Inside the Visible focuses on three periods (the 1930s and 1940s, the 1960s and 1970s, and the 1990s) that anticipated a wave of political repression, nationalism, and xenophopia, often stimulating artistic production that redefined practice. Illustrated essays document each artist in the collection. In addition, four general essays trace the connections among the artists. These take up such issues as why artistic recognition eluded certain artists and why their work is only just becoming visible today. They also address overlapping themes such as gender and sexuality; the intersection of racial, class, ethnic, sexual, and regional identities; and the nature of the relationship between work and viewer.

This anthology of fifteen timely articles offers a wide range of feminist criticism sparked by ideas and events of the 1980's and 1990's. The articles consider culture, language, race, identity, sexuality, gender, creativity, aging and other issues. Though different in methodology, the writings are united by their common interest in feminism as a vehicule for intellectual exploration and individual communication and understanding. In their revisionary approaches, the contributors offer exciting new insights into the complex interaction between women and cultures, questionning inclusion as well as exclusion. "New Feminist Criticism" presents the unfinished and ongoing agenda of feminism in art, society and culture.

The Decade Show is a provocative examination of artistic production in the 1980s, embracing 113 artists and artists’ groups (including Ida Applebroog, Luis Cruz Azaceta, Gran Fury, Edgar Heap-Of-Birds, Komar & Melamid, Adrian Piper and Shu Lea Cheang) who - whether visible or invisible in the mainstream - are critical to an understanding of the period. Fourteen essayists, among them David Deitcher, Thelma Golden, Julia P. Herzberg, Micki McGee, Sharon F. Patton, Susan Quist and Lowery Stokes Sims, contribute to this extensive survey. As a collaborative effort between the Museum of Contemporary Hispanic Art, The New Museum and The Studio Museum in Harlem, The Decade Show reflects true community diversity, as well as the museum’s interest in examining “parallel cultures” obscured by traditional aesthetics. “This is not a patronizing exhibit of the art of ‘exotica’ put together by the philanthoropic goodwill and high-art-world curiosity of a few white curators. It is an exhibit attempting to construct a multivocal art world. It begins to suggest that the notion of a ‘center’ and a ‘margin’ is anachronistic and that maintaining such a model represents a desire to wield exclusive power and control.” -Eunice Lipton, “Here Today, Gone Tomorrow,” p. 20.

Feminism has been a major force in the reshaping of recent art. The women's movement has given new confidence to women who work in the visual arts; it has opened up new areas for art to deal with and challenged existing systems of values and imagery in the arts. In their comprehensive introduction, Rozsika Parker and Griselda Pollock provide a richly illustrated history of the British women's art movement, covering the major events and debates in feminist art practice which have taken place over the last fifteen years. They also examine the trends, the conflicts and the new directions of the 1980s in which issues of race, as well as gender, have necessarily become prominent. Griselda Pollock goes on to explore the place of feminist art in the context of post-modern culture, arguing that feminism is one of the most important and radical interventions in both modernism and post-modernism. --back cover.

Essay in a catalogue for an exhibition that is considered a key survey of how Black art was inspired or affected by the civil rights movement.