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Elles sont belles. Elles sont riches. Elles sont populaires. Elles sont des superstars, et elles se disent féministes. Dans la lignée de Madonna, des Riot Grrrls et des Spice Girls s'élèvent aujourd'hui les voix et les corps de femmes puissantes et controversées comme Beyoncé et Lady Gaga. On leur reproche de faire fructifier leurs prises de position. D'édulcorer les idées politiques dont elles se réclament. Simple plus-value à leur image de marque ou résistance authentique? Et si leur discours relevait à la fois de l'une et de l'autre? Sandrine Galand plonge au coeur de ces questions difficiles dans cet essai documenté sur la place du féminisme dans la culture populaire contemporaine. Elle fait le pari d'embrasser les tensions qui le traversent pour mieux repérer ce que ces stars pop représentent de subversif et d'inclusif, pour mieux comprendre ce qui se passe entre les gloires et les chutes. Plus qu'un effet de mode, ce sont de nouveaux récits qui s'écrivent avec ou en marge des luttes. L'autrice réapprend à aimer ce féminisme qui fleurit à l'ombre du spectacle, en révélant ce qui, en lui, nous parle de nous.

Maquillée est le fruit étonnant d'un nombre incalculable d'heures perdues, passées à enchaîner les tutoriels maquillage sur YouTube, ou encore à naviguer sur le site web de Sephora. Cet essai poétique tire profit d'une obsession personnelle, le maquillage, pour développer une réflexion singulière sur notre époque. Se situant au carrefour des discours sur le genre, l'identité, le capitalisme et la culture pop, le maquillage est un objet d'étude riche et complexe, plus que jamais pertinent. S'il est habituellement dédaigné des sphères intellectuelles, Daphné B. nous prouve hors de tout doute qu'il mérite notre attention. Dans un monde oculaire troué de selfies et bouleversé par une industrie de l'influence, Daphné B. propose une réflexion nuancée, féministe et personnelle sur l'univers de la beauté. Objet littéraire hybride, à cheval entre le récit de soi, le poème et l'essai, Maquillée est une méditation lyrique sur un secteur économique en pleine croissance.

À travers l’analyse de la bande dessinée Deer Woman créée en 2015 par Elizabeth LaPensée (Anishinaabe, Canada), notre article a pour objectif principal d’interroger la notion de « super-héroïne » à l’aune de représentations autochtones engagées. Il s’agit de voir en quoi cette revitalisation du mythe traditionnel de la Femme Cerf (Deer Woman) interroge l’identité en termes de sexe et de genre, la culture et la place des femmes autochtones, en prenant une position radicale face au problème sociétal des féminicides en Amérique du Nord. Nous postulons que la figure de Deer Woman peut aussi être vue aujourd’hui comme une allégorie mettant en garde contre la domination masculine sur les femmes et sur toutes autres formes de vie. Tout d’abord, nous étudierons les caractéristiques formelles de Deer Woman et les mythes fondateurs autochtones qui en sont à l’origine. Nous montrerons ensuite en quoi cette super-héroïne dont les pouvoirs apparaissent après qu’elle a été sexuellement agressée, tend à dénoncer et lutter contre les féminicides touchant les femmes autochtones. Enfin, nous nous demanderons comment cette bande dessinée pourrait laisser entrevoir l’émergence d’une super-héroïne autochtone éco-féministe.

While there exists some empirical research on women’s use of pornography, the manner in which women do, and how they understand their pornographic spectatorship, remains under-examined. Focusing on the narratives of 26 women gained through both focus groups and individual interviews, this research explores how women who use pornography and other sexually explicit materials navigate, reaffirm, challenge, and contest normative gendered boundaries that surround women’s sexuality, sexual pleasure, and women’s pornographic use. While ‘pornography as female degradation’ is the most visible feminist discourse, the findings of this study suggest that the meanings attributed to both the experience of engaging with pornography, as well as with pornographic materials themselves, were far from wholly degrading, and in fact, served to provide pleasure, sexual self-actualization, and even corporeal validation – disrupting normative discourses of desiring and desirable bodies.

Trente, un nombre qui n’arrivera jamais et s’il arrive, je l’éviterai, comme j’ai une fois évité un chevreuil en conduisant sur la route, le chevreuil courait devant mon auto, à gauche il y avait la rivière et à droite il y avait le fossé, c’est beau la Montérégie, au lieu de choisir l’un ou l’autre il continuait d’avancer droit devant, puis il a fini par bondir vers le fossé. Moi j’aurais choisi l’eau et d’ailleurs, à chaque fois que j’empruntais ce chemin-là, ça me chicotait de savoir que juste un petit coup de volant pouvait m’envoyer dans la rivière, un jour on est en vie et un jour on ne l’est plus, c’est tout.

Filles, c’est la plainte de celle qui quitte le bar après le last call, celle qui fixe le vide de l’hôpital jusqu’à ce que les murs ondulent, c’est l’idée entêtante que tout ira toujours plus mal, que rien ne sera salutaire, que le fond arrivera plus vite si on gratte le bobo jusqu’à en scrapper sa manucure ; c’est toutes ces petites blessures qui se font facilement et qui cicatrisent mal. ​

HE MASK YOU LIVE IN follows boys and young men as they struggle to stay true to themselves while negotiating America’s narrow definition of masculinity. Pressured by the media, their peer group, and even the adults in their lives, our protagonists confront messages encouraging them to disconnect from their emotions, devalue authentic friendships, objectify and degrade women, and resolve conflicts through violence. These gender stereotypes interconnect with race, class, and circumstance, creating a maze of identity issues boys and young men must navigate to become “real” men. Experts in neuroscience, psychology, sociology, sports, education, and media also weigh in, offering empirical evidence of the “boy crisis” and tactics to combat it. The Mask You Live In ultimately illustrates how we, as a society, can raise a healthier generation of boys and young men.

La place et le rôle des femmes dans l'art et dans le spectacle vivant, entre 1912 et 2012, aux lisières de la performance et de la danse. A l'heure des re-enactements et autres remakes des performances historiques, il semblait important de s'interroger sur la place des femmes dans les avant-gardes des années 1910-1970. Quel regard portons-nous, aujourd'hui, sur les pionnières qui ont profondément modifié la danse et la performance, en Europe et aux Etats-Unis ? Réunis pour la première fois, des historiens, des philosophes, des danseurs et deux chorégraphes ont accepté de faire le point sur leurs recherches. Par-delà les catégories artistiques (danse, performance, action, pantomime, théâtre, music-hall...) et les clivages (théorie / pratique ; forme / fond), ce livre est une invitation à partager leurs questionnements sur le spectacle vivant « au féminin », ses archives et ses références. Femmes, attitudes performatives rassemble dix contributions, une « interview performative » de La Ribot et un entretien sur La Part du rite de Latifa Laâbissi et Isabelle Launay.

In The Black Body in Ecstasy, Jennifer C. Nash rewrites black feminism's theory of representation. Her analysis moves beyond black feminism's preoccupation with injury and recovery to consider how racial fictions can create a space of agency and even pleasure for black female subjects. Nash's innovative readings of hardcore pornographic films from the 1970s and 1980s develop a new method of analyzing racialized pornography that focuses on black women's pleasures in blackness: delights in toying with and subverting blackness, moments of racialized excitement, deliberate enactments of hyperbolic blackness, and humorous performances of blackness that poke fun at the fantastical project of race. Drawing on feminist and queer theory, critical race theory, and media studies, Nash creates a new black feminist interpretative practice, one attentive to the messy contradictions—between delight and discomfort, between desire and degradation—at the heart of black pleasures.

Like drawing back a curtain to let bright light stream in, MISS REPRESENTATION uncovers a glaring reality we live with every day but fail to see. Written and directed by Jennifer Siebel Newsom, the film exposes how mainstream media contributes to the under-representation of women in positions of power and influence in America. The film challenges the media’s limited and often disparaging portrayals of women and girls, which make it difficult for women to achieve leadership positions and for the average woman to feel powerful herself. In a society where media is the most persuasive force shaping cultural norms, the collective message that our young women and men overwhelmingly receive is that a woman’s value and power lie in her youth, beauty, and sexuality, and not in her capacity as a leader. While women have made great strides in leadership over the past few decades, the United States is still 90th in the world for women in national legislatures, women hold only 3% of clout positions in mainstream media, and 65% of women and girls have disordered eating behaviors.

Les artistes contemporains délaissent les grandes luttes communes, les partis politiques, et acceptent les subventions de l'État. Ils refusent les étiquettes et se moquent du mythe de l'artiste guidant le peuple. Quand l'oeuvre d'art devient fragments, mouvement, quand son sens est ouvert et dépend de l'expérience du spectateur, quelle est son action sur le monde? Peut-on encore croire à sa portée politique? Les nostalgiques pleurent la disparition de l'art engagé. Pour Ève Lamoureux, l'art engagé n'a jamais cédé; il résiste d'une autre manière, à un autre pouvoir, sur d'autres terrains. Exit la division entre l'art pour l'art et l'art au service d'une idée. Exit la conception avant-gardiste militante de l'art engagé. L'engagement actuel passe par une action micropolitique multiforme, une création soucieuse de l'Autre, à la fois autonome et collective, misant sur le processus et la participation. Ainsi, l'auteure nous montre de quelle façon l'art apporte une nouvelle définition de l'engagement politique. Cet essai analyse la démarche d'artistes québécois comme l'ATSA, BGL, Doyon/Demers, Danyèle Alain, Sylvie Cotton, Nicole Jolicoeur, Devora Neumark, Alain-Martin Richard, Jean-Claude St-Hilaire et Raphaëlle de Groot. En prolongeant, sur le plan théorique, des créations souvent performatives et éphémères (décors, manifestations, dialogues, oeuvres à compléter soi-même, etc.), ce livre les situe dans l'histoire récente de l'art et met en lumière leur dimension politique.

Wark brings together a wide range of artists, including Lisa Steele, Martha Rosler, Lynda Benglis, Gillian Collyer, Margaret Dragu, and Sylvie Tourangeau, and provides detailed readings and viewings of individual pieces, many of which have not been studied in detail before. She reassesses assumptions about the generational and thematic characteristics of feminist art, placing feminist performance within the wider context of minimalism, conceptualism, land art, and happenings

First- and second-generation youth of color are vulnerable to racialized images of gender and sexuality as reflected in and perpetuated by dominant forms of popular and consumer cultures. These popular images inform the process of Americanization, including racialized sexualization, for first- and second-generation Americans. This paper examines the way first- and second-generation Asian American girls and young women interpret and reinterpret popular representations of their positions in the United States. Data from two qualitative studies on Asian American young women will be presented.

This collection of essays explores the significant agreements and tensions between contemporary feminist and postmodern theories and practices. Having brought enormous changes to conceptions of the body, identity, and the media, postmodernity compels the rethinking of many feminist categories, including female experience, the self, and the notion that "the personal is political." Feminist analysis has been equally important, though not always equally acknowledged, as a force within postmodernism. Feminist writings on subjectivity, master narratives, and the socioeconomic underpinnings of the master narrative of theory itself have been particularly influential. This volume traces the crossings and mutual interrogations of these two traditions into the arenas of cultural production, legal discourse, and philosophical thought. Multidisciplinary and international in their collective focus, the essays range from a study of Madonna as an Italian American woman who is revising the cultural meanings of an ethnic feminism to a unique interview with Mairead Keane, the national head of the Women’s Department of the Irish political party Sinn Fein. Turning the prism of postmodern feminism onto such diverse cultural objects as literary and literary critical texts, contemporary film, and music, these essays intervene in debates regarding technology, sexuality, and politics. Challenging modern feminisms to articulate their inescapable relation to postmodern society, this expanded edition of a special issue of boundary 2 also explores ways in which feminism can work as the cutting edge of a global postmodernism. Contributors. Salwa Bakr, Claire Detels, Margaret Ferguson, Carla Freccero, Marjorie Garber, Barbara Harlow, Laura E. Lyons, Anne McClintock, Toril Moi, Linda Nicholson, Mary Poovey, Andrew Ross, David Simpson, Kathyrn Bond Stockton, Jennifer Wicke

Feminist film theory has made the psychic and political limitations of representational visibility abundantly clear. Yet the Left continues to promote visibility politics as a crucial aspect of progressive struggle. Unmarked examines the fraught relation between political and representational visibility and invisibility within both mainstream and avant-garde art. Suggesting that there may be some political power in an active disappearance from the visual field, Phelan looks carefully at examples of such absences in photography, film, theatre, the iconography of anti-abortion demonstrations, and performance art. A boldly specultative analysis of contemporary culture, Unmarked is a controversial study of the politics of performance. Situating performance theory within emerging theories of psychoanalysis, feminism, and cultural studies, Phelan argues that the non-reproductive power of performance offers a different way of thinking about cultural production and reproduction more generally. Written from and for the Left, Phelan's readings of the work of Robert Mapplethorpe, Cindy Sherman, Mira Schor, Yvonne Rainer, Jennie Livingstone, Tom Stoppard, Angelika Festa and Operation Rescue radically rethink the politics of cultural representation.

L'étude de la campagne de criminalisation de la pornographie au Canada, dans les années 1980, pose un défi au savoir conventionnel qui s'est développé, en sociologie et en criminologie, sur la réforme du droit. Ce savoir est l'argumentation selon laquelle les réformes, en dispersant le contrôle social, ne font que légitimer le système sans le modifier fondamentalement. Afin d'éviter l'essentialisme de ce savoir, j'ai utilisé une approche reflexive qui pense la relation entre la réforme du droit et le pouvoir comme à la fois contraignante et facilitante. L'établissement d'un lien entre la pornographie et la déviance sociale n'apparaît pas comme une construction sociale unifiée, mais comme un terrain contesté dans lequel se produisent des rapports de pouvoir complexes, et une multiplicité de stratégies de résistance. C'est dans ce sens que la réforme apparaît comme un mécanisme générateur des pratiques.

"This book is a detailed study of the powerful and innovative role women artists played in the development and expansion of performance art. This hybrid art form, which combines the visual arts with ingredients drawn from experimental dance, theater, music, and poetry, emerged in the late 1960's at the same time as the women's movement. Many women artists turned to performance art in order to translate and capture visually the concerns, demands and visions of the women's movement; thus women led the way in performance art's explorations of autobiography, ritual, mass spectacle and the creation of characters and personae. The Amazing Decade, edited by Moira Roth, with an introduction by Mary Jan Jacob, culls the best from women's performance history, highlighting pivotal works, chronicling changes and projecting future directions: the book contains a major essay by Roth on the history and character of women's performance art; individual profiles on thirty-seven artists and collectives; an extensive bibliography; and a year-by-year chronology from 1956 onward in which women's performance art is set in the context of history and the women's movement. Profusely illustrated, The Amazing Decade is an indispensable reference book and an invaluable teaching tool"--