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En 2005, l’ARMuQ/SQRM fêtait son 25 e anniversaire d’existence. Répondant aux questions de la rédactrice en chef des présents Cahiers , Sylvia L’Écuyer, l’auteure expose d’abord les motifs qui ont poussé les membres fondateurs à créer ce qui s’appelait alors l’Association pour l’avancement de la recherche en musique du Québec (ARMuQ). Cette section est suivie d’un aperçu des différentes phases de l’évolution de l’association. Enfin, dans une troisième section intitulée « Problématiques et souhaits d’avenir », Louise Bail tente de dégager très brièvement les liens que l’ARMuQ/SQRM a développés avec les institutions d’enseignement supérieur et de circonscrire la place que prennent les chercheurs indépendants au sein de l’organisme. Son propos s’emploie à faire ressortir les problèmes particuliers que posent le fonctionnement et l’existence d’une telle association. Enfin, elle propose des réflexions et suggère quelques pistes d’avenir à partir de son implication en tant que membre fondateur, membre régulier et présidente sortante du conseil d’administration. , In 2005, the ARMuQ/SQRM celebrated its twenty-fifth anniversary. Responding to questions from the Cahier’s current Editor-in-Chief, Sylvia L’Écuyer, the author begins by discussing the motives that gave rise to the Association pour l’avancement de la recherche en musique du Québec, as it was then called. This is followed by a survey of the association’s various transformations over the years. In a third section entitled “Problématiques et souhaits d’avenir” (“Challenges and wishes for the future”), Louise Bail describes the ties that bind the ARMuQ/SQRM to post-secondary education institutions, and identifies the role of independent scholars within the organisation. The aim of her study is to discern the particular challenges that the existence and operations of such an association create. Finally, she reflects and advises on the association’s future from the perspective of her own role as founding member, regular member, and past Chair of the Board of Directors.

Cet article porte sur une intervention musicale et interculturelle de groupe qui visait l’amélioration du bien-être psychologique et l’intégration des personnes réfugiées dans la ville de Québec. L’expérience a regroupé 20 personnes, dont 10 Québécois de longue date et 10 personnes réfugiées nouvellement arrivées, qui se sont réunies à 10 occasions pour échanger et jouer de la musique ensemble. Les propos recueillis avant, pendant et après la démarche démontrent que l’activité a contribué à l’amélioration du sentiment de bien-être des réfugiés, mais aussi d’une majorité des Québécois de longue date. Les propos montrent que la démarche a aussi contribué à l’intégration des réfugiés.

Quebec-born playwright Chantal Bilodeau has been responding to the challenges of dramatizing anthropogenic climate change by developing an eight-part Arctic Cycle, each play of which is set in one of the nations that claims Arctic territory. Sila (2014) immerses audiences into a complex network of humans, animals, and mythical beings crisscrossing the Canadian Arctic. These movements circle around the Inuit concept of sila, which is the life-giving force of breath and voice. Thus, the sonic world of Sila focuses on voices speaking words, on performance poetry, and on the sounds of breath and wind. Bilodeau’ s second Arctic Cycle play, Forward (2016), addresses the long-term impact of Fridtjof Nansen’s polar exploration of the 1890s on Norway’s economy and society. In terms of sound, Forward features multiple musical performances rangingfrom traditional songs to European opera arias and Lieder to contemporary Norwegian electro-pop. The sonic features of both plays stress interdependence across time, space, as well as (non-)human, earthly, and metaphysical realms. Sila and Forward address climate change in a non-universalizing manner which promotes a heterarchical (rather than hierarchical) aesthetic fit for a growing awareness of planetary relationality.

"This thesis explores embodiment and gender within the contemporary Montreal swing dance community. Drawing on scholarship in musicology, dance studies, jazz studies, and gender studies, I investigate the relationship between dancers and musicians/DJs. I explore the many facets of this choreomusical conversation and trace this dialogic and collaborative relationship on the social dance floor. The contemporary community is a product of the swing revival and navigating issues of authenticity thus becomes an important consideration for dancers, musicians, and DJs alike. One product of this revival is the set of heteronormative values that underpin the contemporary community. I investigate to what extent these values are reified, challenged, or altogether subverted by participants through musical and choreomusical choices. To this end I conducted interviews with six informants, each of whom has experience as both a dancer and musician and/or DJ. Their privileged position arising from their dual experience affords them insight on the ways in which dancers and musicians/DJs function within the community. This thesis builds on existing scholarship by situating the voices of individuals with choreomusical experience in dialogue with existing scholarship, and ultimately revalues the importance of both embodied knowledge and gender within the swing community"-- Author's abstract

Formed as a musician and a clarinetist, Louise Campbell is now a music mediator. Based in Montreal, she practices her profession through several structures and for a wide variety of audiences (schoolchildren, professionals, people with disabilities ...) all around Canada, but mainly in Quebec. In this interview, Louise Campbell recounts her experience as a mediator, her (non)-formation in this profession, as well as many aspects in her practice. With the musical object and the creation at the heart of her workshops, Louise Campbell always seeks to establish a “horizontal” exchange relationship with each person she meets.

TAGS by Joane Hétu and TanGRAM by Danielle Palardy Roger are two written works that showcase graphic scores in improvised music. TAGS creates an encounter between Ensemble SuperMusique, the saxophone quartet Quasar, and the Bozzini Quartet. The musicians make “sound graffiti” on an imaginary wall represented by a sequence of timed sections on a descriptive score where the composer uses different instrumental combinations. Using an aesthetic of articulated gestures, the work is made through these multiple signatures. TanGRAM brings together twenty instrumentalists from Ensemble SuperMusique. The game of Tangram is represented in the form of a graphic score where each piece has specific musical properties to be interpreted by the musicians. Rich in combinatorial and symmetrical games, the work presents Orion: a continuous figure, a slowly moving flow where each musician seeks their own way in a global sound.

Partant d’une caractéristique de l’environnement artistique à Montréal - le décloisonnement des esthétiques et des formes d’expressions -, cette enquête compile les propos de six créateurs et artistes sonores de trois générations distinctes qui ont vécu ce contexte : Monique Jean et Jean-François Laporte (génération 1960), Patrick Saint-Denis et Cléo Palacio-Quintin (génération 1970), Adam Basanta et Émilie Payeur (génération 1980). Chacun se prononce sur quatre thématiques principales : la définition de leur pratique artistique, leurs réflexions sur la pluridisciplinarité ou la polyvalence, la perception de l’environnement artistique entre leurs débuts et aujourd’hui, et leur rapport à l’enseignement institutionnel versus l’apprentissage en autodidacte. Les réponses mettent en lumière la diversité des perceptions alimentant la diversité des pratiques, les sensibilités du contexte propres à chaque génération, ainsi que des visions personnelles de la ville quant à ses institutions et activités artistiques.

La parolière d’Ordinaire et du Mur du son, c’est elle. La muse du jeune Charlebois, c’est encore elle. La metteure en scène de spectacles mythiques (Magie rose, J’ai vu le loup, le renard, le lion) et d’innombrables galas, c’est toujours elle. « Elle », c’est Mouffe, figure légendaire du Québec en marche, née Claudine Monfette, alouette ! Diplômée de l’École nationale de théâtre, interprète de chansons en duo et de rôles d’ingénue, éternelle tête chercheuse, semeuse de bonnes idées et mentore de la relève, elle a contribué à faire de notre milieu artistique ce qu’il est. Journaux personnels de Mouffe, entrevues avec celle-ci mais aussi avec sa famille, ses amis, ses collègues : Carmel Dumas a remonté pendant plus de dix ans le fil de cette vie palpitante et trace ici le portrait d’une femme omniprésente et effacée, fantaisiste et sage. Une vieille âme enveloppée de candeur, extraordinaire survivante.

This document explores sacred music by women composers for the Revised Common Lectionary (RCL) of the Catholic and Christian churches. The study researches exclusively choral and vocal solo music by women composers for the church season of Lent. Other primary limitations include music in English, and music from the nineteenth century to the present. The main question answered in this document is: what sacred music has been published by women composers that may be programmed in church services? This question is answered in the included appendices. These appendices list the music by women composers appropriate for the specific RCL readings for each Sunday of Lent, as well as the holidays of Ash Wednesday, Maundy Thursday, and Good Friday. There are also appendices of choral and solo vocal pieces that are generally appropriate for the Lenten season. Every attempt was made to be as thorough as possible in identifying this music, with the understanding that no one compilation of this kind can ever be complete. Additionally, selected works by six composers are explored in this document: Emma Lou Diemer (b. 1927), Arletta O’Hearn (b. ca 1928), Jane M. Marshall (1924 – 2019), Rebecca Clarke (1886 – 1979), Violet Archer (1913 – 2000), and Undine Smith Moore (1904 – 1989). These composers are representative of the variety of styles, diversity, history, and levels of musical complexity within this body of music.

À l’aube des années 1960, Renée Claude fait ses débuts de chanteuse en interprétant Ferré, Béart et Brassens, mais aussi, et surtout, les siens (Ferland, Léveillée, Vigneault, DesRochers, Lelièvre). Sa rencontre avec l’auteur-compositeur Stéphane Venne, puis son association avec le parolier Luc Plamondon marqueront un point tournant dans sa carrière. Pendant plus d’une décennie, Renée Claude enchaînera les succès. « C’est notre fête aujourd’hui », « Le début d’un temps d’un nouveau », « Le tour de la terre », « Viens faire un tour », « Tu trouveras la paix », « Un gars comme toi », « Ce soir je fais l’amour avec toi » ... Au début des années 1980, alors que d’autres chanteuses de sa génération rendent les armes, Renée Claude connaît une incroyable renaissance avec un cycle d’hommages à Clémence DesRochers, Georges Brassens et Léo Ferré. Offerts aux quatre coins du monde pendant plus de 30 ans, ces spectacles confirmeront son grand talent d’interprète. Grâce à des dizaines d’entretiens, le journaliste Mario Girard retrace le fascinant parcours de plus de 50 ans de cette artiste incomparable. À travers son histoire, il raconte aussi celle du Québec qui a émergé de la Grande Noirceur pour se tailler une identité à sa mesure. Et on peut affirmer que Renée Claude y a largement contribué.

En plus d’offrir un portrait des productions culturelles queer au Québec tant francophones qu’anglophones, dont certaines autochtones, cet ouvrage s’attarde à révéler le caractère queer de celles qui ne le sont pas de facto. Il se présente comme un manuel de référence sur le sujet, avec des essais critiques – qui portent autant sur la littérature et le monde du spectacle que sur les arts médiatiques ou la presse gay – et des textes expérimentaux – fictions, dessins, récits autobiographiques. Plus de 27 œuvres de fiction publiées entre 1965 et 2017 y sont analysées sous différents aspects, avec des méthodologies diverses, mais toujours sous l’éclairage queer (un terme à la nature instable, paradoxale, que calque la forme éclatée de l’ouvrage). Du polyamour à l’inceste, en passant par le racisme, l’urbanité, le suicide, le non-désir d’enfant, l’alimentation ou les processus de production, le queer met en scène des personnages hétéros ou homosexuels, intersexués, cis, trans, travailleur·euse·s du sexe, gros et plusieurs autres… Cette juxtaposition d’états, de genres, de thèmes, de formes et de pratiques constitue l’une des forces de ce livre qui intéressera bien sûr un lectorat d’intellectuel·le·s et de personnes issues des communautés LGBTQIA2S+, mais pas seulement. Il deviendra, sans nul doute, une ressource indispensable pour l’enseignement de nouvelles perspectives dans le cadre des sciences humaines et sociales.

En 2013, Xavier Dolan, cinéaste, acteur et metteur en scène québécois prolifique, réalise le vidéoclip College Boy, chanson du groupe de musique français Indochine qui s’articule autour d’un jeune garçon queer qui est victime d’homophobie dans un internat. Cet article propose une analyse de ce vidéoclip en se focalisant sur la mise en scène de la violence et des affects négatifs. Nous étudions d’abord le débat provoqué par la diffusion et la censure du clip en France. Ensuite, à partir de la théorie du “backward feeling” développée par Heather Love dans Feeling Backward: Loss and the Politics of Queer History (2007), nous analysons la manière dont la représentation de la violence dans l’œuvre de Dolan remet en question l’ordre hétéronormatif. Nous défendons la thèse qu’en s’attaquant de front aux institutions qui sont les véritables agents de la violence homophobe, College Boy contribue à la conservation archivistique de l’expérience queer et crée ainsi une possibilité d’émancipation face à l’hétéronormativité.

Montreal composer Jocelyne Binet's "Cycle de Melodies sur des Poemes de Paul Eluard" was programmed in 1955 by the French baritone Gerard Souzay in a performance that was most likely the world premiere. Unfortunately, Binet's song cycle never was published, and the work soon was forgotten. In the fall of 2016, the author discovered Bineet's original handwritten manuscript pages in holdings of Bibliotheque et Archives Nationales du Quebec and began the process of reconstructing the score. This article discusses the editorial journal undertaken when resurrecting Binet's forgotten song cycle, which was subsequently published in 2018 by Classical Vocal Reprints.