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Dina Bélanger (1897-1929) s’est donnée très jeune au Christ, ne voulant que lui plaire dans l’intimité de la prière. À vingt-quatre ans, elle renonce à une brillante carrière de pianiste pour entrer au couvent des Religieuses de Jésus-Marie à Québec. Elle expérimente l’union mystique avec la Trinité par le cœur eucharistique de Jésus. Béatifiée par Jean-Paul II en 1993, elle laisse à l’Église et au monde un héritage spirituel d’une richesse exceptionnelle, qui rappelle celui de Thérèse de l’Enfant-­Jésus, qu’elle avait prise pour patronne, avec sainte Cécile. Dans le sillage de ses ouvrages sur Thérèse de Lisieux et Marie-­Léonie Paradis, Jacques Gauthier nous offre un autre entretien chaleureux et instructif avec une «?amie de Dieu?» qui avait dit avant de mourir, à trente-deux ans?: «?Je donnerai de la joie.?» Ses questions pertinentes facilitent cet échange intime avec Dina qui, par l’intermé­diaire de son autobiographie, témoigne d’une sainteté unique et inspirante.

Ce projet de recherche-création explore les avenues narratives d'une pensée de contrôle du corps par le sonore. Le travail de création réfléchira les mécanismes, les sentiments, les contraintes conscientes ou inconscientes de personnages face à l'environnement sonore urbain. Ces mécanismes, qu'ils soient intériorisés ou non par les personnages, permettront de penser le dispositif sonore, au sens de Foucault puis interprété par Agamben. Le dispositif crée, entre l'être sur lequel il agit et l'ensemble des dits et non-dits qu'il contient, un « processus de subjectivation », ou de « désubjectivation »: il se fait contrôle, s'organise en rapports de force. La partie création met en scène des personnages qui sont habités par des idéaux d'une libération du corps par la musique, que cette libération − ou son échec − soit spatiale, temporelle, sociale ou psychique. Ce travail se consacrera également à une analyse du recueil de Joséphine Bacon Un thé dans la toundra/ Nipishapui nete mushuat (2013) et du recueil L'Outre-vie (1979) de Marie Uguay. Ces autrices créent une dimension sonore et vocale évidente dans leurs poèmes, une sensibilité, voire une sursensibilité à l'ouïe − notamment par le teueikan (tambour) chez Bacon et par les « racines sonores » pour Uguay. Le son devient un vecteur qui permet de penser la subjectivité dans des possibles spatiaux et temporels simultanés que le corps paraît empêcher. R. Murray Schafer nomme « schizophonie » la séparation de la source d'émission du son par sa reproduction, par la multiplication des enregistrements. Ce rapport différé à la musique produite à distance du corps des musiciens − s'il s'agit de musique instrumentale − joue un rôle dans ce réseau de rapports de force, dans ce dispositif qui nous intéresse. Les sources sonores se sont aujourd'hui multipliées et apparaissent, par l'enregistrement, souvent déplacées et séparées de leur contexte de production original. Comment penser ces effets de décontextualisation? Le travail de création s'intéressera aux modalités et aux effets d'une voix énonciative travaillée par ces diverses représentations d'un corps qui entend, récepteur de réalités différées, d'une pensée du corps disséminé. Pour parler non pas seulement d'écoute, mais plutôt de ce que qui l'excède, de ce vers quoi tend l'écriture poétique: possibilité de l'écoute de l'autre, ou de l'écoute de ce qui est autre.

Audible in speech and song, electro-pop singer Grimes’s so-called “baby doll” lisp generates endless buzz online, ranging from light-hearted adoration, to infantilization, to sexual fetish and even to ableist, misogynist anti-fandom. This article uses the reception of her lisp to build an intersectional theory of lisping across its medical and socio-cultural constructions, bridging work in disability studies, dysfluency studies, voice studies, and popular music studies in the process. I situate the slippage between adoring, infantilizing, fetishistic, and violent characterizations of Grimes’s lisp as reflective of the infantilization of “communicative disorders” in speech language pathology, and the dysfunction associated with feminine coded-speech patterns (e.g. vocal fry and up talk) in the popular imaginary. Lisping is profitably understood as an audible form of “liminal” difference relative to visible physical disabilities (St. Pierre), and to certain ableist, gendered, and racialized conceptions of normative vocality. Ultimately, in the English-speaking world, the lisp is symbolically-coded feminine while exceeding the norms of female vocality, thereby giving rise to a polarizing set of associations that work against female authority and, by extension in Grimes’s case, female musical authorship. Grimes’s reception thus offers a valuable case study for interrogating how misogynist fantasies regarding femininity are thought localized in the female voice, and the symbolic ties between disability and femininity.

Between music geography and iconic music legends, a strong connection has been established in terms of spatial and temporal analysis of popular music and the representation of national identities in the contemporary global cultures of popular music. The existing literature unveils a gap in the analysis of music geography and famous musicians, real global music icons identified with particular cultures. This paper argues that such music legends must be geographically studied to unveil their outstanding contribution to the world music cultures. Against such a background, a geographical approach that takes Canadian singer Céline Dion as a case studyis developed. The research aims to analyse Dion’s outstandingcontribution to global music culture in both spatial and temporal terms. Based on the music industry emergence, the paper focuses on how and why Céline Dion appeared in global music culture and examines her outstanding contribution with specific referenceto music cartographies and statistical research.National identity and related cultural issues beyond the music, lyrics, and performances are also addressed.The empirically led study is based on a multi-method approach and makes use of statistical data analysis, GIS methods, biographicalinquiry, the analysis of lyrics and visual methodologies,all suggesting that Dion’s contribution has greatly influenced the global popular music culture of the last few decades.Although the topics in question cannot be fully discussed within the limits of this paper, it highlights the importance of these issues and calls for further in-depth research to provide a new critical understanding of the intimate connections between popular music, legendary music icons and the recent perspectives in music geographies

Dix ans après la parution de La renarde et le mal peigné,quatre cents nouvelles lettres échangées entre Gérald Godin (1938-1994) et Pauline Julien (1929-1998) ont été découvertes dans leurs fonds d’archives respectifs. Soixante-dix d’entre elles ont été choisies par Emmanuelle Germain et Jonathan Livernois, dans cette édition qui vient compléter le portrait forgé en 2009. On y retrouvera les débuts de la relation entre le journaliste et la chanteuse, les longues tournées en Europe de Pauline Julien, la maladie de Godin, puis celle, en filigrane, de Julien. De nouveaux aspects apparaîtront également : l’érotisme de plusieurs de leurs échanges ; les rapports d’amitié ; les aléas d’une vie familiale où un jeune homme de vingt-cinq ans doit s’occuper de deux adolescents, alors que Julien doit concilier sa vie professionnelle et sa vie de mère ; l’épuisement des dernières années, tandis que les tournées européennes sont de plus en plus difficiles pour Julien. Les lettres réunies ici permettront également aux lectrices et aux lecteurs de revivre de grands moments de l’histoire québécoise, vue à la hauteur de ses acteurs : le « Vive le Québec libre ! » lancé par Pauline Julien à Niamey, en 1969, interrompant le ministre fédéral Gérard Pelletier ; la crise d’Octobre et l’emprisonnement sur lequel on ne reviendra guère ; la campagne électorale de 1976, l’enthousiasme et la victoire, inattendue ; l’engagement du député puis ministre Gérald Godin. Ce n’est donc pas un hasard si ce petit livre est sous-titré « Fragments de correspondance amoureuse et politique ». La suture des deux univers, de l’intime et du public, de l’amour et du politique, y est plus claire que jamais.

La chanson québécoise actuelle paraît réconcilier la chanson dite «à texte» et la chanson populaire, comme ce fut le cas pour la chanson engagée des années 1970. Si le thème de l’engagement soutenait plusieurs œuvres chansonnières de cette décennie, celui de la mélancolie semble pouvoir définir une certaine tendance actuelle. Ce mémoire s’intéresse au thème de la mélancolie dans la chanson québécoise contemporaine et plus précisément dans les albums Tu m’intimides de Mara Tremblay, La forêt des mal-aimés de Pierre Lapointe et À Paradis City de Jean Leloup. À la fois auteurs, compositeurs et interprètes, ces trois artistes s’inscrivent dans le champ populaire de la chanson québécoise en créant des œuvres où le texte et la musique mettent la mélancolie en valeur. Dans cette étude, la mélancolie est étudiée en fonction de trois aspects, soit l’être mélancolique, la temporalité mélancolique et l’espace mélancolique. C’est à travers l’exploration de ces trois aspects que sont analysées les chansons du corpus, surtout à partir des textes, mais en considérant aussi certains éléments musicaux.

Au sein de la province du Québec, la majorité des immigrants choisissent de vivre à Montréal et y forment des communautés au sein desquelles leurs pratiques musicales du pays d’origine perdurent au-delà du processus migratoire. Depuis trois ans, notre équipe de recherche travaille à Montréal auprès de diverses communautés issues de l’immigration pour comprendre comment le musical participe au « Vivre ensemble ». Nous émettons l’hypothèse que la musique est pour les immigrants un outil pertinent d’intégration et de négociation identitaire afin de vivre au sein d’une société conviviale et d’y contribuer. La perspective comparative qui est la nôtre vise à faire ressortir ce qui est privilégié selon les cas de figures par les communautés elles-mêmes tant au sujet des répertoires musicaux que des processus de reconstruction identitaires à travers la musique. Dans cet article, nous présenterons nos observations au sujet de la communauté issue de l’immigration roumaine et moldave. Le groupe ainsi nommé est loin de représenter une homogénéité quelconque en dehors de l’origine qui est mentionnée sur les fiches de données produites par Statistiques Canada. Nous nous appuyons sur des exemples précis issus de nos travaux de terrain auprès de cette communauté afin de démontrer que nous avons affaire à un cosmopolitisme musical qui trouve pleinement sa place et son expression dans un tel contexte urbain.

Quand Hubert Lenoir, lors de son entrevue à Tout le monde en parle, a déclaré : « J’ai un peu le goût de me crisser en feu ces temps-ci », s’attirant les remontrances des animateurs qui jugeaient de mauvais goût le fait de dire une telle chose à la télévision, et de surcroît sur un plateau où se trouvait un invité ayant déjà fait une tentative de suicide, cela a provoqué un certain émoi dans le public, et on reprocha d’un côté au chanteur de banaliser le suicide et de l’autre aux animateurs d’avoir banalisé la détresse peut-être tout à fait sérieuse de celui-ci. Plutôt que de prendre part à ce débat, ou encore de proposer des stratégies pour briser les tabous au sujet du suicide, je voudrais aborder la dimension littéraire de ce fameux malaise télévisuel, qui est liée au malaise de l’époque contemporaine face à ce que j’appellerai ici la mise en scène de l’affliction.

La chanson populaire constitue un moyen privilégié pour faire changer les perceptions et revoir l’image que nous avons construite des Premiers peuples et elle permet de redéfinir les relations entre Autochtones et Allochtones. C’est ce que démontre un parcours de la chanson populaire québécoise de 1960 à 2019, qu’il s’agisse de chansons d’Allochtones (Gilles Vigneault, les Séguin), de chansons d’Autochtones, surtout à partir du succès de Kashtin au début des années 1990, de Chloé Sainte-Marie qui choisit de chanter en innu-aimun, ou du métis Samian dans les années 2000 qui multiplie les collaborations, pour arriver à l’émergence d’une chanson autochtone au Québec.

Ethel Stark (1910-2012) was one of the most important conductors and concert violinists in Canada in the Twentieth century. This article highlights how an Austro-Canadian Jewish woman who lived outside the constraints of conventional domesticity, both navigated through and defied the ideals of the “Cult of True Womanhood” and spearheads a movement of feminism in music. I argue that Stark’s exposure to Jewish cultural traditions of social justice and womanhood in her childhood formed a critical dimension of her feminist activism later in her life, and in particular in the founding of The Montreal Women’s Symphony Orchestra (1940).

Dora Cojocaru is recognized as an outstanding representative of the Cluj school of composition, but also as a strong voice in Romanian musicology. While her musicological output includes books, studies, articles, radio programs, conference papers, master classes and scientific communication sessions, her most important contribution remains the book entitled Creația lui Gyӧrgy Ligeti în contextul stilistic al secolului XX [Gyӧrgy Ligeti's Work in the Stylistic Context of the Twentieth Century], which was the first book about Ligeti that appeared in the Romanian musicological landscape. Dora Cojocaru’s compositional portrait can be drawn by following the language characteristics and compositional devices used in the chamber cantata Dați-mi lampa lui Aladin [Give Me Aladdin's Lamp]. The composer’s work is characterised by a propensity for chamber music. The composer confesses that it is also a consequence of the fact that this genre comes with a plethora of expressive possibilities. In terms of the musical language used by the composer, its first characteristic is the concern to avoid repetition in expression and the variation of an already used musical material. This is strikingly evident in the chamber cantata Dați-mi lampa lui Aladin [Give Me Aladdin's Lamp]. Another peculiarity is the construction based on a developmental discourse, while a third characteristic is the frequent construction of the discourse based on an economy of means and on a musical material consisting of only a few notes. In the case of this cantata, it is essential to note the historical context, which is closely linked to the symbolic title suggesting the composer’s desperate desire to bring her brother back to life, although she is aware that this is only possible by magic. The composer’s choice of lyrics is derived from the fact that Trakl’s and Rilke’s texts allude to the theme of death, which is one of the frequent themes of late Expressionism, and are therefore pervaded by a tragic note, in tune with the composer’s musical intentions. If we follow the text-music relationship, we notice some extremely significant moments, in which music creates sonic images that are suggestive of the message of the text.

Against a tense socio-political backdrop of white supremacy, intensifying pressures of neoliberal fiscal austerity, and queer necropolitics, this thesis addresses performance-based activist forms of place-making for urban-based queer, trans, and gender nonconforming communities of colour. Using participant observation and qualitative interviews with pioneering members of Montréal’s Kiki scene and Ottawa’s emerging Waacking community and interpreting my findings through the theoretical lens of queer of colour theory, critical whiteness studies, queer Latinx performance studies and Chicana feminism, I argue that Kiki subculture, which is maintained by pedagogical processes of ‘each one, teach one’, is instrumental in facilitating i) life-affirming queer kinship bonds, (ii) alternative ways to simultaneously embody and celebrate nonnormative gender expression with Black, Asian, and Latinx identity, iii) non-capitalist economies of sharing, and iv) hopeful strategies of everyday community activism and resilience to appropriative processes during economic insecurity and necropolitical turmoil.

This paper presents an analysis of Annesley Black’s not thinking about the elephants (2018), for saxophone quartet and live electronics. Written for Montreal’s Quasar Saxophone Quartet, this work explores concepts of suppression and emergence through traditional musical dimensions such as melody, counterpoint, and form, but also through contemporary musical dimensions such as psychoacoustics (difference tones), theatrical elements, and live electronics. Black’s practice engages critically with the compositional process itself by formulating dialectic relationships between material and compositional strategies (both intuitive and systematic). This work encourages the listener to engage in a multidimensional listening experience where conceptual extremes become a catalyst for the building of narrative and tension.

Né il y a 40 ans de la collaboration entre Michel Berger et Luc Plamondon, le phénomène Starmania est probablement le plus grand succès musical franco-québécois. Outre les Français Daniel Balavoine et France Gall, la distribution originale réunissait quatre immenses interprètes d’ici : Claude Dubois, Diane Dufresne, Fabienne Thibeault et Nanette Workman. La carrière de chacun a été marquée par cette aventure qui a aussi laissé sa trace indélébile dans notre imaginaire collectif. Fabienne Thibeault, qui avait 26 ans à l’époque, nous fait partager cette épopée dans l’intimité du couple formé par Michel Berger et France Gall chez qui elle a vécu à Paris. Pour compléter son récit, elle se remémore des anecdotes personnelles et donne la parole aux artisans moins connus (choristes, doublures, musiciens) de cette réalisation magistrale qui surprend toujours par son actualité.