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Cette recherche examine comment des pratiques artistiques influencées par la culture Hip Hop se déroulant dans un studio d’enregistrement communautaire participent au développement personnel et social de jeunes Montréalais·e·s racialisé·e·s. Il est soutenu qu’en incarnant des principes et valeurs associées au Hip Hop, le studio canalise et stimule un cadre permettant aux jeunes l’exploration de leurs identités multiples et marginalisées ce qui s’accompagne d’une part, d’une prise de conscience et d’émancipation en mobilisant des éléments de la culture Hip Hop pour stimuler une croissance personnelle reposant sur la liberté créatrice. D’une autre part, cette communauté ouvre la porte à la création du sentiment d’appartenance pour les jeunes Montréalais·e·s racialisé·e·s reposant sur la constitution de fondations et réseaux alternatifs au sein de la communauté du studio, de la scène locale et mondiale du Hip Hop. Ce faisant, le studio engendre l’émergence de solidarités affinitaires lui conférant un rôle de carrefour et de point d’ancrage pour cette communauté.

"This thesis explores embodiment and gender within the contemporary Montreal swing dance community. Drawing on scholarship in musicology, dance studies, jazz studies, and gender studies, I investigate the relationship between dancers and musicians/DJs. I explore the many facets of this choreomusical conversation and trace this dialogic and collaborative relationship on the social dance floor. The contemporary community is a product of the swing revival and navigating issues of authenticity thus becomes an important consideration for dancers, musicians, and DJs alike. One product of this revival is the set of heteronormative values that underpin the contemporary community. I investigate to what extent these values are reified, challenged, or altogether subverted by participants through musical and choreomusical choices. To this end I conducted interviews with six informants, each of whom has experience as both a dancer and musician and/or DJ. Their privileged position arising from their dual experience affords them insight on the ways in which dancers and musicians/DJs function within the community. This thesis builds on existing scholarship by situating the voices of individuals with choreomusical experience in dialogue with existing scholarship, and ultimately revalues the importance of both embodied knowledge and gender within the swing community"-- Author's abstract

This document explores sacred music by women composers for the Revised Common Lectionary (RCL) of the Catholic and Christian churches. The study researches exclusively choral and vocal solo music by women composers for the church season of Lent. Other primary limitations include music in English, and music from the nineteenth century to the present. The main question answered in this document is: what sacred music has been published by women composers that may be programmed in church services? This question is answered in the included appendices. These appendices list the music by women composers appropriate for the specific RCL readings for each Sunday of Lent, as well as the holidays of Ash Wednesday, Maundy Thursday, and Good Friday. There are also appendices of choral and solo vocal pieces that are generally appropriate for the Lenten season. Every attempt was made to be as thorough as possible in identifying this music, with the understanding that no one compilation of this kind can ever be complete. Additionally, selected works by six composers are explored in this document: Emma Lou Diemer (b. 1927), Arletta O’Hearn (b. ca 1928), Jane M. Marshall (1924 – 2019), Rebecca Clarke (1886 – 1979), Violet Archer (1913 – 2000), and Undine Smith Moore (1904 – 1989). These composers are representative of the variety of styles, diversity, history, and levels of musical complexity within this body of music.

The aim of this dissertation is to produce a multimodal critical discourse analysis of Grimes' video We Appreciate Power. This will serve to explore issues of ideology, identity and multilingualism in both the music video and the YouTube polylogues generated in the same web page. In this work I suggest that Grimes adopts a poststructuralist view that inherits Haraway's cyborg concept (1991) in this piece of multimedia. I claim that Grimes wanted to show the conflictive moral boundaries that the idea of the cyborg and trans-humanism casts upon Western civilization, such as the loss of free will but also the transgression of problematic dichotomies. The fact that the comment section of the video is available to use might signal that Grimes wanted to raise awareness about trans-humanism. By doing virtual ethnography research, examples of discussion about the relationship between the video and the studied polylogues will be examined regarding the notions of the cyborg and multilingualism.

La chanson québécoise actuelle paraît réconcilier la chanson dite «à texte» et la chanson populaire, comme ce fut le cas pour la chanson engagée des années 1970. Si le thème de l’engagement soutenait plusieurs œuvres chansonnières de cette décennie, celui de la mélancolie semble pouvoir définir une certaine tendance actuelle. Ce mémoire s’intéresse au thème de la mélancolie dans la chanson québécoise contemporaine et plus précisément dans les albums Tu m’intimides de Mara Tremblay, La forêt des mal-aimés de Pierre Lapointe et À Paradis City de Jean Leloup. À la fois auteurs, compositeurs et interprètes, ces trois artistes s’inscrivent dans le champ populaire de la chanson québécoise en créant des œuvres où le texte et la musique mettent la mélancolie en valeur. Dans cette étude, la mélancolie est étudiée en fonction de trois aspects, soit l’être mélancolique, la temporalité mélancolique et l’espace mélancolique. C’est à travers l’exploration de ces trois aspects que sont analysées les chansons du corpus, surtout à partir des textes, mais en considérant aussi certains éléments musicaux.

Women have been active as performers of instrumental music since the Medieval period, and yet their contributions are often overlooked. This dissertation examines the history of women’s orchestras outside the United States, and explores their development, as well as reasons for existing. Several factors regarding their development are taken into consideration, including time period, country, and culture in which the ensemble is present. The birth of the women’s orchestra is traced from the ospedali of the 18th century Venice to today. All-female ensembles from England, Canada, Cuba, and Afghanistan are profiled, as well as the Women’s Orchestra in Auschwitz. Two modern-day women’s orchestras – the Allegra Chamber Orchestra in Vancouver, British Columbia, and my recital orchestra at the University of Maryland – were surveyed in an attempt to learn more about the culture of women’s orchestras. This paper seeks to answer the questions “What is the culture of women's orchestras today, and should they continue to exist?”

This dissertation maps the interaction between jazz, identity, modernity and nation during the so-called "golden age" of jazz in Montreal (1925-1955). Drawing on the fields of musicology, women's studies (black feminist theory and feminist research methods in particular), critical dance studies, and cultural studies, this project provides a critical re-writing of the history of Montreal jazz, one which acknowledges various roles that racialized and ethnicized women played in the shaping of modern identities, pleasures and sounds in Quebec. Montreal's particular status as a "showtown" makes it a rich laboratory to study the collaborative creative relationships between jazz music and dance on the black variety stage in the first half of the twentieth century. I also map the specific parameters that articulate the discursive relationship between jazz and vice, in particular as these relate to the gendered and racialized embodiment of morality in interwar Quebec. Finally, this dissertation produces the first extensive biographical accounts and critical listening of several prominent Montreal-based female jazz artists, including pianists Vera Guilaroff and Ilene Bourne, all-girl groups such as The Spencer Sisters and the Montreal Melody Girls Orchestra, black women performers such as Tina Baines Brereton, Bernice Jordan Whims, Marie-Claire Germain, Mary Brown, Natalie Ramirez, as well as piano teacher Daisy Peterson Sweeney and dance teachers Ethel Bruneau and Olga Spencer Foderingham.

Carefully preserved in the archives of the Ursuline and Hôtel-Dieu Monasteries of Quebec are several manuscripts containing Canada’s first sacred works for female voices. The manuscripts contain dozens of intricate motets composed in the French Baroque style, a repository of music which has not been sung for hundreds of years. These motets form a neglected part of Canada’s musical heritage which is waiting to be unearthed and explored. Ursuline and Augustinian nuns arrived to the French territories of the New World to educate and evangelize young women. Singing formed a core element of their teaching and worship. For over one hundred years (1639-1760), church music provided a backbone to Canada’s vibrant musical culture. When the French territories were lost to Britain and Spain, musical culture shifted radically and the sacred French music simply faded into obscurity. An overview of the sweeping events of the French Baroque era includes discussion of France’s social conditions, the political and religious climate, the flowering of the arts and the exploration of the New World. In France, the seventeenth and eighteenth centuries were a time of great strife which heralded the massive social changes to come in the nineteenth century. France’s struggles directly impacted the colony of New France, including that of its religious institutions and music. This study traces the musical activities in the Ursuline community of New France as the nuns lived their mission on the frontier, teaching Aboriginal and colonial girls. The evolution of female emancipation stemming from religious evangelism is considered. Examination of a trove of 160 motets located in the female monasteries of Québec City reveals the high caliber of music practiced by the nuns. No interpretive editions for performance purposes exist. Newly transcribed works have been generated from the manuscripts, with period performance guidance for appropriate ornamentation and ensemble requirements. An in-depth discussion of New France Baroque vocal and choral musical styles is provided, with reference to historical records of how it was taught, as described in contemporaneous music treatises and many original documents specific to these religious female communities.

Ce mémoire explore la notion d’intermédialité autochtone au sein de l’oeuvre de Natasha Kanapé Fontaine. Les imbrications entre les médias seront notre point d’appui pour penser les questions de l’esthétique dans l’art autochtone actuel. Par le biais de la représentation d’un média dans un autre, nous aborderons ainsi la réactualisation des traditions orales telles que le conte, le mythe, le chant et le tambour au sein des productions de cette artiste. Notre parcours observera les structures intermédiales qui mettent en exergue la mémoire ainsi que les connaissances ancestrales. Les croisements entre l’identité et le territoire seront également discutés dans l’optique des représentations intermédiales. Ainsi, les phénomènes d’affirmation et de réactualisation des savoirs se déploient par l’utilisation de divers médias. De ce fait, la résistance environnementale et culturelle ainsi que la néo-oralité sous-tendent l’oeuvre de l’artiste et s’expriment à travers les territoires imaginaires et médiatiques.

Interest in audio-visual works of art that are performed by a live pianist while integrating projected moving visual images has waxed and waned over a period of almost 300 years. The past twenty years or so has seen a re-emergence of this genre of classical music composition which places extra demands on the pianist performing these works. This dissertation explores the history of this genre, proposes a framework for analysis of these pieces, and examines from both analytical and performance perspectives three contrasting works for this medium: Michel van der Aa’s 'Transit', Nicole Lizée’s 'Hitchcock Études', and 'Surface Tension' by Eve Egoyan and David Rokeby. This research was

Le Lindy Hop et les danses Jazz africaines américaines du début du XXe siècle font aujourd'hui l'objet d'une sous-culture internationale. Leur popularité se nourrit en grande partie de la mise en valeur de leur joie et d'un cadre social hospitalier. Bien que cette culture soit aujourd'hui majoritairement investie par des danseurs non africains-américains, elle bénéficie d'une relation privilégiée avec plusieurs aînés, anciens habitués du Savoy Ballroom de Harlem, le lieu mythique où la danse s'est initialement développée. À leur côté, les processus de recréation, d'actualisation et de transmission de ces danses historiques présentent le terrain complexe d'une appropriation culturelle, celle d'un savoir situé afrocentrique et de la représentation de sa joie inhérente. À partir du paradigme épistémologique de la théorie critique, féministe et intersectionnelle du point de vue, cette recherche examine la démarche de traduction transculturelle, où le sens des récits des aînés et l'expression de leur affect en viennent à être substitués par des stratégies racialisées d'équivalence et d'identité et des rapports savoir/pouvoir non examinés. L'analyse s'est particulièrement centrée sur une lecture du cadre idéologique de la sous-culture, de sa « volonté de savoir » et du rapport « mythologique » (Roland Barthes) des danseurs à l'histoire et à l'authenticité. Le terrain s'est défini par une approche interdisciplinaire, multisite, ethnographique et phénoménologique située, représenté par trois études de cas localisées. Une observation participante a eu lieu dans le plus grand rassemblement international annuel de danseurs au Herräng Dance Camp suédois (1). Elle a mis en lumière un système de référence dominant et hégémonique qui perpétue les bases d'une marginalisation sociale et racialisée, malgré l'importance donnée à l'africanité de la danse et la promotion de valeurs d'ouverture, de participation, de communauté et de liberté proactive. Cette communauté culturelle, caractérisée par une volonté libérale de « bonne pratique » sociale, a aussi été le contexte d'émergence de figures « killjoy » (Sara Ahmed) (2) mettant en évidence l'homogénéité sociale structurelle de la sous-culture. L'affirmation féministe noire de ces dernières a également permis de contextualiser et de situer la dynamique politique, raciale, genrée et économique du récit des Anciens et de leur expérience du Harlem Renaissance qui a donné naissance à la danse. À partir d'une posture éthique et critique contre-hégémonique, soutenue par une articulation de la pensée d'Hannah Arendt et de la théorie postcoloniale, la conclusion de la recherche s'est réalisée autour d'une recherche-action participative dans l'école de danse Cat's Corner à Montréal (3). Elle a été le terrain d'une remise en cause appliquée d'un système culturel et pédagogique stabilisé par un régime hégémonique de la blanchité. Les résultats se sont concrétisés dans une réforme pédagogique de l'enseignement des danses Jazz, fondée sur une approche plus holistique et non conformiste de leur tradition et sur l'intégration d'une éthique renouvelée de la relation.

Ce mémoire-création porte sur la conception sonore pour le théâtre et la danse contemporaine. Il vise à fournir des connaissances qui puissent faciliter l'intégration du son au sein d'une création scénique. La recherche dont il est question ici se concentre uniquement sur les aspects conceptuels et non techniques, toutes deux intrinsèques au processus de création du son. Me basant sur mon expérience de concepteure sonore, plus précisément à partir de l'étude de mes notes de chantier de création entre 1999 et 2014, je dégage dix principes récurrents qui indiquent des conditions optimales pour concevoir le son. Ce mémoire-création est l'analyse d'une approche personnelle et le processus méthodologique a été autopoïétique et heuristique. L'étude se présente en trois sections. La première s'intéresse aux récits des processus de création où chaque principe émerge à partir de l'expérience qui est racontée. Dans la deuxième section, les principes s'explicitent davantage au travers l'étude de textes sur la conception du son. Un corpus d'auteurs, surtout des praticiens de la création sonore, est déterminé pour cette partie. Un livret compose la troisième section. Il incarne la partie « création » de ce mémoire. Il s'agit encore de préciser les principes, mais cette fois au travers de dix lettres fictives, destinées à des étudiants-es. Chaque lettre, dont le sujet est un problème rencontré en cours de processus de création, vise à expliquer un principe dans un contexte concret. Le titre du livret est La conception sonore selon Nancy Tobin 01. Mon nom apparaît dans le titre pour signifier qu'il est surtout question de mon approche personnelle. La mention des chiffres « 01 » indique que le livret démarre une série où d'autres personnes conceptrices sont invitées à écrire sur leur propre expérience. Peu de textes sur la conception sonore - sur l'expérience concrète du faire - existent. Ce mémoire-création vise à combler en partie cette lacune et à inviter d'autres créateurs à écrire sur leur pratique. L'expression par le sonore est riche et diversifiée. Plus les pratiques seront partagées et diffusées, plus il sera possible de multiplier les possibles de l'espace de l'écoute.

In this study, four sets of songs composed by Violet Archer are examined, all of which were written at different points in her career. Archer studied with Paul Hindemith in 1948 – 49, and his teachings had a tremendous impact on the young composer. The first set of songs to be analyzed, Moon Songs, was written before her time with Hindemith, and will provide a baseline from which her later, post-Hindemith, works can be compared. Following her studies with Hindemith, Archer wrote three songs, “Cradle Song,” “April Weather,” and “First Snow,” all of which show evidence of Hindemith’s influence. Her later, more mature works, Northern Landscape and Caleidoscopio Quatro, demonstrate a refined compositional technique; one in which Archer has created her own style, while maintaining aspects of the approach taught by Hindemith at Yale. This study will elaborate on the aspects of Archer’s music that evolved throughout her compositional career.

What is the internet? It began as a military research experiment, but the internet has since become a sweeping cultural phenomenon. One of the most prevalent areas of the internet’s cultural dominance is in popular music, and this thesis addresses how the internet is being understood and discussed by popular music artists. I study the works of Grimes and Childish Gambino, two popular music artists who grew up alongside the internet’s rise to cultural dominance and explicitly address this experience as an integral component of their lives and works. I look specifically at discourse surrounding Grimes’ “post-internet” music and Childish Gambino’s expansive conceptual work Because the Internet (2013). This research concludes by addressing how popular music artists like Grimes and Childish Gambino are helping produce the ways in which we understand and discuss the cultural phenomenon of the internet, and how they provide a foundation for future artists and research to build upon.

Cette étude inclut les œuvres de Mara Tremblay, Ariane Moffat et Salomé Leclerc et vise un objectif double : d’une part, il s’agit d’analyser des textes lyriques qui ont une indéniable qualité poétique et d’autre part, de réaliser une étude intermédiale alliant texte, musique et clip-vidéo afin de voir comment le sens d’un de ces éléments est infléchi, modifié ou complété par celui des autres éléments. L’hypothèse de recherche est qu’aujourd’hui, les auteurs-compositeurs-interprètes conçoivent leur art à travers trois langages esthétiques (le texte, la musique et la vidéo), faisant de la musique une expérience plurisensorielle et intermédiale. Pour faire émerger le message de ces artistes, on mobilisera les théories du care et l’écoféminisme afin d’analyser le discours portant sur le sujet et le monde. On vise à dégager les grands thèmes de ces œuvres à travers une synthèse de ces trois approches critiques. L’analyse du corpus vise à déterminer la qualité poétique des textes et la vision du monde que ces trois artistes diffusent.

Over the course of the last decade the organ works of Canadian composer Rachel Laurin (b. 1961) have gained critical acclaim among professional organists. Her organ music has captured the attention of American and Canadian organists, resulting in a series of commissions for new organ works. To date, there are over thirty-two compositions for organ solo. This document explores stylistic issues in Laurin's compositions for solo organ and for organ with other instruments. Pieces that have been selected for in-depth study include Chromatic Fantasietta, Scherzetto, Toccatarina (to Katarina) and Asian Legend from Twelve Short Pieces, Volume 3, op. 64, Étude Héroïque, Op.38, and the Sonata for Organ and Horn, Op.60, II. On a Painting by Thomson. At the outset of the document an overview of Canadian organ culture is provided, followed by an introduction to Laurin's life and works. Subsequently, a structural and harmonic analysis of Laurin's compositions is presented. As this analysis will reveal, the expressive dimensions of her works embrace elements of Romanticism and Impressionism.