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"No contemporary pop performer's work mixes innovation and tradition like Rufus Wainwright's. He is the son of singer, songwriter, actor Loudon Wainwright III and legendary Canadian folk singer Kate McGarrigle whose story is one of towering highs and rock bottom lows in which family influences, sexual experimentation, and a crystal meth addiction in the early 2000s have greatly contributed."

Throughout his ascendancy in fame and cultural visibility, singer/songwriter and gay pop icon Rufus Wainwright's output has been consistently related, by scholars and critics alike, to camp aesthetics, modes of artistic expression typically understood as emerging from queer communities, particularly certain gay male populations, but ones whose political potential is highly contested. Traditional conceptions of camp, as most famously articulated by Susan Sontag in the 1960s, emphasize style over content, necessarily rendering it politically-disengaged. However, scholars have vehemently challenged conceptions like Sontag's, in order to reclaim camp as a potent means to facilitate queer world-making and a powerful resistance to heteronormativity. I examine Wainwright's image and music in order to theorize a new queer interpretive listening position. Specifically, I draw upon the literary perspective of “reparative reading,” articulated by Eve Kosofsky Sedgwick in opposition to what she describes as “paranoid reading,” to propose a uniquely queer approach to musical and cultural historiography, exemplified by Wainwright's music. Much of the current queer musicology focuses on lost histories, systematic marginalization, and the commoditization of queer identities. While such approaches have produced important insights, thorough examination of the relationships between queer cultural products and their queer reception has proven elusive. This project suggests a unique approach to understanding the musical construction of a specific kind of queer masculinity, one which combines authorial creation with reparative conceptions of reception, in order to theorize a uniquely gay male interpretive position. When viewed through a theoretical lens combining politically-potent conceptions of camp performativity with a reparative reading position, Wainwright's music strikingly enacts Philip Brett's call to claim, not historical evidence, but the right of interpretation, emerging as an act of resistance via the reclamation and consolidation of a queer interpretive authority. In this way, Wainwright articulates both a rupture in the history of queer masculinity and a powerful means of resistance to the often-exclusionary relationships between literary, musical, and artistic objects and the heteronormative cultural systems in which they are created.

Ce mémoire de création littéraire se divise en deux parties. La première propose une série de chansons intitulée Chansons Fleuve. Ce sont huit pièces créées autour de l'idée de l'intime, dont j'ai composé les paroles et la musique1. Elles ont été enregistrées sur un support audio qui accompagne la copie papier de ce mémoire. La seconde partie consiste en une analyse des rapports qu'entretiennent le texte et la musique d'"Arbre à fruits, arbre à fruits" de Marie-Jo Thério, avec l'intime. À travers les paroles de la pièce, les marques de l'intime sont présentes comme contenu (l'essence de l'intime, les thématiques) et comme forme (les relations, les situations, le temps, l'espace). Dans l'enregistrement de la voix et l'interprétation, sont véhiculées plusieurs émotions qui installent un climat d'intimité, appuient le texte et contribuent à rapprocher le public de l'artiste.

The successful compositional careers of Jean Coulthard, Barbara Pentland, and Violet Archer spanned all but the first three decades of the twentieth century. Entering a compositional career at this time had many challenges: as Western Canadians, these composers had to establish their credibility with a public that could not be counted on to recognize the worth of their work due to sexist bias and a prevailing critical stance: public approval was evidence of a lack of true creativity. This was especially problematic for women, who had to keep to the center of progressive composition, away from the experimental and conservative margins, in order to gain recognition. Following World War II, the pressure of modernism increased, due at least in part to initiatives by the U. S. Government in occupied Germany, countering the stereotype of the unsophisticated American with a new narrative of American experimental tradition.

J'écris c'qui m'chante , dit-elle. Et elle a bien raison ! Au lieu d'une biographie pompeuse, Diane Dufresne nous livre avec bonheur une vie en éclats. Écrivain, peintre, chanteuse : nous la retrouvons sous ses multiples facettes – l'existentialiste, la rockeuse, l'amoureuse impudique (sur scène) et la femme secrète, inattendue. Nous nous retrouvons aussi nous-mêmes, à travers les émotions que Diane exprime. Des pages magnifiques sur l'amitié, l'amour, la solitude... D'intimes confidences où resurgissent nos peurs : peur de l'inconnu, de la mort, du destin de la Terre et du nôtre. Et parmi toutes ces craintes un oubli capital : celui de savourer la vie. Pourquoi sentons-nous toujours qu'on a quelque chose à faire au lieu de quelque chose à vivre ? Avec ses splendeurs d'écriture, sa fantaisie, son humanité, son humilité, cette diseuse de belle aventure nous enchante et nous fait du bien.

A review of “masculine” and “feminine” attitudes towards music composition of the past fifty years highlights the contributions of Micheline Coulombe Saint-Marcoux and Marcelle Deschênes to the development of Québécois electroacoustic music. The author re-creates the historical context for the composers’ childhoods, adolescences, and periods of training in Montreal and Paris, and follows this with a discussion of how they negotiated the dominant trends of the 1970s. She then turns to the composers’ roles as pioneers: in their wish to depart from well-trodden paths, Coulombe Saint-Marcoux and Deschênes turned to new technological tools that would allow them to express a new artistic sensibility. From this perspective, they should be considered the “sherpas” of Québécois electroacoustic music.

This article is an incursion into the domain of sound ecology based on interdisciplinary research about artists and researchers. We expose the fundamental principles of sound ecology, a discipline that emerged during the seventies, and discuss the best practices of women in sound ecology, demonstrating how this constitutes a relevant research area for women’s studies. The link between feminism and sound ecology being established, we summarize three sociopolitically relevant research projects whose methods resemble feminist action research. We conclude by reflecting on the best means to foster interdisciplinary collaboration.

La musique actuelle née au tournant des années 1970-1980 a connu ses heures de gloire pendant de nombreuses années. Trois femmes font partie de la lancée et demeurent à ce jour des musiciennes actives et des administratrices hors pair. Mais d’autres, artistes sonores plutôt qu’instrumentistes, émergent, au moment du tournant technologique et plus particulièrement au milieu des années 1990. Un nombre important de ces femmes développent des pratiques non instrumentales d’art audio, de musique bruitiste, de musiques mixtes, électroniques expérimentales, d’installation et de multimédia. Elles sont mal connues, méconnues des grands médias et de la plupart des lieux d’enseignement de la musique, bien que plusieurs d’entre elles les aient fréquentés. Ce moment de rencontre avec certaines d’entre elles souhaite les faire apparaître, en plein jour.

Si les spéculations idéologiques concernant les différences biologiques entre les sexes persistent dans le domaine de la création, elles ont été mises en valeur dès 1970 par des écrivaines et plasticiennes pour oeuvrer en fonction de mythes spécifiques touchant à leur féminité, au corps de la femme chargé de stigmates, afin qu’émerge un « art féminin ». D’une certaine manière, des compositrices vont emprunter cette voie en affirmant entretenir un rapport différent de celui des hommes à l’écriture musicale. Selon elles, leur sensibilité spécifique et leur situation d’être au monde les poussent à travailler autrement, à partir de thématiques « existentielles » inspirées de leur condition sociale et culturelle. De telles circonstances ont provoqué cette quête identitaire par l’invention d’un style artistique particulier qui, paradoxalement, use de ce qui était considéré par un féminisme radical comme les pièges de la féminité. Cet article tente de montrer que ces spécificités, du moins ces constantes relevées par les créatrices expliquant leur démarche, sont le résultat de recherches esthétiques pour caractériser une création universelle au féminin, et non le produit de diktats biologiques.

La petite fille qui chantait debout sur un juke-box en Gaspésie pour divertir les clients du restaurant de ses parents a parcouru bien du chemin... De starmania à la country, en passant par la variété et la chanson réaliste, la carrière d'Isabelle Boulay est un fascinant mélange de styles et d'émotions. Sa voix, entre brisure et éclat, lui a assuré l'admiration et la collaboration des plus grands, de Francis Cabrel à Johnny Hallyday, en passant par Serge Lama, Julien Clerc ou Patrick Bruel. Entre le Canada et la France, cette artiste sincère et humble n'a jamais dévié de sa ligne directrice : trouver sa vérité profonde. Son nouvel album Nos lendemains, dépouillé et céleste, prouve une fois de plus l'immense talent d'Isabelle Boulay, qui demeure, au-delà des océans, une référence incontournable de la chanson. Cet Instant-Mag2 propose un entretien fleuve avec l'artiste, une biographie complète et détaillée, ainsi que des interviews de ses proches et/ou collaborateurs. Le tout illustré par de superbes photos en grand format. Un collector indispensable.