La scène travestie qui est à l’origine du punk à Montréal - Desfossés, Félix B. (Vice, 2017)

Laura Niquay. Vivre et s’affirmer au féminin attikamekw - Audet, Véronique (Cahiers du CIÉRA, 2017)

D’exil et d’américanitude : un entretien avec Linda Bouchard - Bertrand, Simon (Circuit : musiques contemporaines, 2017)
Quebec composer Linda Bouchard (born 1957) is an extremely prolific composer, particularly active on the new music scene in the u.s. where she has lived for lengthy periods since 1989. She has composed a rich and diverse catalogue of works, ranging from orchestral music to more intimist instrumentations, and also using multimedia or improvisation. In this interview, the composer reflects on the question of exile and identity in light of her own experience, thus reliving her own artistic path while also addressing some still burning questions about the place of music creators in the global culture.
Publisher: Les Presses de l’Université de Montréal
Keywords: composer; compositrice; exil; exile; identity; identité; parcours; society; société; trajectory

Claudette Dion: La soeur de... - Girard, Jean-Yves (Éditions La Presse, 2017)
Ce livre donne la parole à une femme authentique, sereine, pétillante et attachante qui sait son privilège de s'appeler Dion, tout en portant fièrement son prénom. Avec humour et tendresse, elle révèle ce que c'est que d'être la sœur de... Entre une mère très médiatisée et une petite sœur devenue mégastar, au milieu de treize frères et sœurs, Claudette a su trouver sa place au soleil. Un regard unique. Des propos inédits.
Keywords: Biography & Autobiography / Entertainment & Performing Arts; Biography & Autobiography / General; Biography & Autobiography / Personal Memoirs; Biography & Autobiography / Women

Beverly Glenn-Copeland: Inspiring stories and advice from a boundary-breaking musician - Hockin, Johnny (Red Bull Music Academy, 2017)

Cool Control, Occam, and Océan: The Radigue and Bozzini Game - Majeau-Bettez, Emanuelle (Les Cahiers de la Société québécoise de recherche en musique, 2017)
Cet article analyse la nouvelle collaboration entre la compositrice et pionnière de musique électronique, Éliane Radigue, et le Quatuor Bozzini. Débutant vers la fin des années 1960, la carrière d’Éliane Radigue se caractérise par de très longues oeuvres de musique électronique qui semblent de prime abord ne pas changer, et dans lesquelles les micro-oscillations naturelles entre les hauteurs remplacent la rythmique traditionnelle. Depuis 2001, Radigue ne travaille plus qu’avec des instrumentistes et utilise un « processus de composition intuitif » semblable à la « transmission orale de musiques traditionnelles anciennes » (Sonami 2017). Alors que les quelques intellectuels qui ont fait montre d’intérêt envers la musique de Radigue ont concentré leur attention sur l’aspect oral de ses compositions, cet article cherche ici à amener l’analyse au-delà des paramètres formels « non-écrits » de sa musique afin d’explorer comment la sonorité d’une pièce de Radigue génère de nouvelles manières de concevoir la performance et la composition. Les notes d’observation de l’auteure, la correspondance entre l’auteure, la compositrice et le quatuor, et les enregistrements des rencontres entre les Bozzini et Radigue seront utilisés pour retracer les moments de grande réaction émotionnelle causés par la sonorité très particulière que demande la musique de Radigue. Ces réactions affectives du côté de Radigue et du quatuor révèlent des points de tension entre différentes conceptions de la création collective, et réorientent complètement ce que cela signifie que de posséder, transmettre, interpréter et composer de la musique. Des spectrogrammes et des enregistrements des tentatives entreprises par les Bozzini seront utilisés dans l’étude de ces points de tension, et démontreront qu’afin de pouvoir jouer avec succès une pièce instrumentale de Radigue, les Bozzini doivent reproduire chaque élément des pièces électroniques de la compositrice; le quatuor à cordes doit se « transformer » en un étrange instrument.
Publisher: Société québécoise de recherche en musique

L'âme en tannage de Natasha Kanapé Fontaine : Souveraineté orale, territoriale et mémorielle - Marcoux, Gabrielle (Canadian Review of Comparative Literature / Revue Canadienne de Littérature Comparée, 2017)

A performer's perspective on three works for pianist and moving images : analysis with performance and practice strategies for Michel van der Aa's 'Transit', Nicole Lizée's 'Hitchcock Études', and 'Surface Tension' by Eve Egoyan and David Rokeby - Morano, Christopher (Université de Colombie-Britannique, 2017)
Interest in audio-visual works of art that are performed by a live pianist while integrating projected moving visual images has waxed and waned over a period of almost 300 years. The past twenty years or so has seen a re-emergence of this genre of classical music composition which places extra demands on the pianist performing these works. This dissertation explores the history of this genre, proposes a framework for analysis of these pieces, and examines from both analytical and performance perspectives three contrasting works for this medium: Michel van der Aa’s 'Transit', Nicole Lizée’s 'Hitchcock Études', and 'Surface Tension' by Eve Egoyan and David Rokeby. This research was

Présence arabe, berbère et nord-africaine au Québec. Cinquante ans de musiques plurielles (1962-2017) - Nabti, Mehdi (Éditions L'Harmattan, 2017)
Ce livre présente l'apport culturel des musicien(ne)s et chanteurs/chanteuses d'ascendance arabe, berbère et nord-africaine au Québec de 1962 à 2017. Qui sont les artistes issus de ces cultures les plus importants au Québec ? Qu'ont-ils produit ? Quelles sont leurs démarches artistiques et quelles difficultés éprouvent-ils ? Comment les médias et le secteur culturel québécois les accueillent-ils ?
Keywords: Art / General; Music / General; Social Science / Sociology / General

Partition pour femmes et orchestre. Ethel Stark et la Symphonie féminine de Montréal - Rachwal, Maria Noriega (Éditions du remue-ménage, 2017)
En 1940, deux femmes élégantes prennent le thé dans le lobby du Ritz-Carlton. Ne vous fiez pas aux apparences: leur rencontre annonce un grand chambardement dans l’univers de la musique classique. La mécène Madge Bowen et la violoniste Ethel Stark fondent à Montréal ce qui deviendra le premier orchestre symphonique canadien composé uniquement de femmes. […]

Claude Vivier ou la machine désirante - Richard, Robert (Éditions Varia, 2017)
"Claude Vivier, compositeur méconnu au Québec, est né à Montréal en 1948. Il meurt assassiné à Paris en 1983. Il a fait ses études avec Gilles Tremblay et Karlheinz Stockhausen. Son œuvre – qui contient une quarantaine de titres – est inclassable, s'inspirant de ou bougeant à travers des époques très différentes de l'histoire de la musique, depuis le Moyen Âge jusqu'à la musique dite « spectrale » des années 1980. C'est une œuvre d'une grande originalité, qui a choisi la fuite hors des attentes ou des formes prévues et qui a cherché à délirer les continents, les langues, les peuples."–From publisher's website

Louise Beaudet. De Lotbinière à Broadway - Saint-Pierre, Marjolaine (Éditions du Septentrion, 2017)

Les mondes du Lindy Hop : appropriation culturelle et politiques de la joie - Sékiné, Anaïs Leï (Université de Montréal, 2017)
Le Lindy Hop et les danses Jazz africaines américaines du début du XXe siècle font aujourd'hui l'objet d'une sous-culture internationale. Leur popularité se nourrit en grande partie de la mise en valeur de leur joie et d'un cadre social hospitalier. Bien que cette culture soit aujourd'hui majoritairement investie par des danseurs non africains-américains, elle bénéficie d'une relation privilégiée avec plusieurs aînés, anciens habitués du Savoy Ballroom de Harlem, le lieu mythique où la danse s'est initialement développée. À leur côté, les processus de recréation, d'actualisation et de transmission de ces danses historiques présentent le terrain complexe d'une appropriation culturelle, celle d'un savoir situé afrocentrique et de la représentation de sa joie inhérente. À partir du paradigme épistémologique de la théorie critique, féministe et intersectionnelle du point de vue, cette recherche examine la démarche de traduction transculturelle, où le sens des récits des aînés et l'expression de leur affect en viennent à être substitués par des stratégies racialisées d'équivalence et d'identité et des rapports savoir/pouvoir non examinés. L'analyse s'est particulièrement centrée sur une lecture du cadre idéologique de la sous-culture, de sa « volonté de savoir » et du rapport « mythologique » (Roland Barthes) des danseurs à l'histoire et à l'authenticité. Le terrain s'est défini par une approche interdisciplinaire, multisite, ethnographique et phénoménologique située, représenté par trois études de cas localisées. Une observation participante a eu lieu dans le plus grand rassemblement international annuel de danseurs au Herräng Dance Camp suédois (1). Elle a mis en lumière un système de référence dominant et hégémonique qui perpétue les bases d'une marginalisation sociale et racialisée, malgré l'importance donnée à l'africanité de la danse et la promotion de valeurs d'ouverture, de participation, de communauté et de liberté proactive. Cette communauté culturelle, caractérisée par une volonté libérale de « bonne pratique » sociale, a aussi été le contexte d'émergence de figures « killjoy » (Sara Ahmed) (2) mettant en évidence l'homogénéité sociale structurelle de la sous-culture. L'affirmation féministe noire de ces dernières a également permis de contextualiser et de situer la dynamique politique, raciale, genrée et économique du récit des Anciens et de leur expérience du Harlem Renaissance qui a donné naissance à la danse. À partir d'une posture éthique et critique contre-hégémonique, soutenue par une articulation de la pensée d'Hannah Arendt et de la théorie postcoloniale, la conclusion de la recherche s'est réalisée autour d'une recherche-action participative dans l'école de danse Cat's Corner à Montréal (3). Elle a été le terrain d'une remise en cause appliquée d'un système culturel et pédagogique stabilisé par un régime hégémonique de la blanchité. Les résultats se sont concrétisés dans une réforme pédagogique de l'enseignement des danses Jazz, fondée sur une approche plus holistique et non conformiste de leur tradition et sur l'intégration d'une éthique renouvelée de la relation.

Le son au théâtre et en danse contemporaine : les principes conceptuels récurrents de ma pratique - Tobin, Nancy (Université du Québec à Montréal, 2017)
Ce mémoire-création porte sur la conception sonore pour le théâtre et la danse contemporaine. Il vise à fournir des connaissances qui puissent faciliter l'intégration du son au sein d'une création scénique. La recherche dont il est question ici se concentre uniquement sur les aspects conceptuels et non techniques, toutes deux intrinsèques au processus de création du son. Me basant sur mon expérience de concepteure sonore, plus précisément à partir de l'étude de mes notes de chantier de création entre 1999 et 2014, je dégage dix principes récurrents qui indiquent des conditions optimales pour concevoir le son. Ce mémoire-création est l'analyse d'une approche personnelle et le processus méthodologique a été autopoïétique et heuristique. L'étude se présente en trois sections. La première s'intéresse aux récits des processus de création où chaque principe émerge à partir de l'expérience qui est racontée. Dans la deuxième section, les principes s'explicitent davantage au travers l'étude de textes sur la conception du son. Un corpus d'auteurs, surtout des praticiens de la création sonore, est déterminé pour cette partie. Un livret compose la troisième section. Il incarne la partie « création » de ce mémoire. Il s'agit encore de préciser les principes, mais cette fois au travers de dix lettres fictives, destinées à des étudiants-es. Chaque lettre, dont le sujet est un problème rencontré en cours de processus de création, vise à expliquer un principe dans un contexte concret. Le titre du livret est La conception sonore selon Nancy Tobin 01. Mon nom apparaît dans le titre pour signifier qu'il est surtout question de mon approche personnelle. La mention des chiffres « 01 » indique que le livret démarre une série où d'autres personnes conceptrices sont invitées à écrire sur leur propre expérience. Peu de textes sur la conception sonore - sur l'expérience concrète du faire - existent. Ce mémoire-création vise à combler en partie cette lacune et à inviter d'autres créateurs à écrire sur leur pratique. L'expression par le sonore est riche et diversifiée. Plus les pratiques seront partagées et diffusées, plus il sera possible de multiplier les possibles de l'espace de l'écoute.

Bilan et perspectives sur la situation des compositrices au Québec : vers un décloisonnement des identités - Tremblay, Vicky (Les Cahiers de la Société québécoise de recherche en musique, 2017)
In the field of composition in Quebec, women composers are still less numerous than men composers. While the profession of composer has difficulty being recognized in Quebec society, women composers are twice as marginalized. Many of give evidence to the challenges they face when it comes to integrating into the musical community, and several musicologists have tried to better understand—and eventually solve—the problems specific to women in the field of composition.
Publisher: Société québécoise de recherche en musique

Nicole Lizée : adepte de la hantologie - Van Vliet, Kiersten (La Scena Musicale, 2017)